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vania x vania

Javier Cámara protagoniza Vania x Vania

La Sala Fernando Arrabal de Naves del Español presenta del 29 de febrero al 7 de abril la obra Vania x Vania protagonizada por Javier Cámara acompañado de Juan Codina, Israel Elejalde, Marta Nieto, Manuela Paso y Marina Salas. Javier Cámara interpreta a Vania en este doble e inédito juego teatral que abarca dos versiones: Vania (versión 1) es un acercamiento minimalista al texto de Chéjov, mientras que Vania (versión 2) propone un experimento que conecta la Rusia del XIX con el presente.
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Vania x Vania (coproducción de Teatro Español y Teatro Kamikaze) incluye un programa doble de teatro escrito y dirigido por Pablo Remón (Premio Nacional de Literatura Dramática 2021) consistente en dos versiones nuevas y originales de Tío Vania y planteadas en estilos completamente distintos. Este inédito proyecto teatral se pregunta cómo dialoga la obra original con dos reescrituras actualizadas y hasta qué punto los temas y las preguntas que planteaba Chéjov en su Tío Vania siguen vigentes hoy en día. Vania x Vania se compone de dos obras: Vania (versión 1), un Chéjov desnudo, esencial y minimalista centrado en el texto y en el trabajo actoral y que se representará a las 18 horas; y Vania (versión 2), una reescritura del clásico que nos traslada tanto a la Rusia del siglo XIX como al presente, y que podrá verse a las 20:30 horas. Ambas versiones −que contienen grandes dosis de humor− son completamente distintas e independientes entre sí y pueden verse juntas, por separado y en el orden que se prefiera. “Tío Vania es completamente enigmática y humana a la vez. Si se ha montado tantas veces es porque permite mil acercamientos diferentes”, explica el autor y director Pablo Remón. “Siempre me ha apasionado la modernidad de Chéjov. Lo más estimulante de trabajar con sus textos es la cantidad de capas que tienen.Por eso surgió la idea de Vania x Vania y de trabajar en dos versiones casi contrapuestas, como si estuvieran firmadas por dos directores distintos. Pretendo mostrar dos caminos posibles de acercarnos a esta obra, entre tantos posibles.

No creo que ninguno sea completo ni definitivo, pero sí son muestras de lo fértil del texto de Chéjov”, apunta. Vania (versión 1) está pensada como una versión más libre y abstracta del texto original, para una audiencia reducida, sin apenas elementos escenográficos y cuyo peso recae totalmente en el poder de la palabra y el trabajo de los actores. Por el contrario, Vania (versión 2) es un espectáculo con todo lo que tradicionalmente se asocia a un montaje teatral, planteado como un experimento en el que la acción avanza en paralelo en una finca rusa a finales del XIX −como en la obra original− y en una finca del Toledo actual, y en el que el espectador tiene que armar el puzzle para encajar la trama. “Esta obra te pone absolutamente frente a uno mismo. Siento que cada frase de Vania me interpela, es como un espejo”, cuenta Javier Cámara, que interpreta a Vania en ambas versiones y que con este espectáculo firma su segunda colaboración con Remón tras su reciente éxito con Los farsantes. “Tengo 57 años y me veo reflejado en Vania. Todo lo que le pasa al personaje, en mayor o menor medida, me ha pasado, me pasa y me pasará. ¿Por qué no estar aquí encima del escenario mostrándome así ante el público?”. El programa doble Vania x Vania es una producción de Teatro Español y Teatro Kamikaze con texto y dirección de Pablo Remón a partir de Tío Vania de Antón Chéjov, interpretada por Javier Cámara (Vania), Juan Codina (Alexander), Israel Elejalde (Astrov), Marta Nieto (Elena), Manuela Paso (Marina) y Marina Salas (Sonia), con diseño de espacio escénico de Monica Boromello, diseño de iluminación de David Picazo, diseño de vestuario de Ana López y diseño de sonido de Sandra Vicente.

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Coslada Radial lleva la creación contemporánea al corazón de la periferia madrileña

Durante tres días, Coslada dejará de funcionar únicamente como escenario para asumir una posición más ambiciosa: la de una ciudad que incorpora la creación contemporánea a su vida cotidiana. Del 18 al 20 de septiembre, la sexta edición de Coslada Radial distribuirá espectáculos y actividades por distintos rincones del municipio con una programación concebida para aproximar los nuevos lenguajes escénicos a públicos diversos.
Impulsado por la Concejalía de Cultura del Ayuntamiento de Coslada en Madrid, el festival reúne danza, teatro, música, propuestas familiares, experiencias no convencionales, talleres y acciones participativas. Su política de acceso mantiene una dimensión pública reconocible: las actividades serán gratuitas o exigirán una aportación simbólica de un euro cuando resulte necesario controlar el aforo.

‘Patrimonio. Segunda edición’ celebra el legado vivo de la danza española

El Ballet Español de la Comunidad de Madrid presenta del 8 al 19 de julio, ‘Patrimonio. Segunda edición’, dentro de la programación de ‘Veranos en el parque’, el ciclo cultural de verano impulsado por la Comunidad de Madrid en el Parque de Santander. La propuesta, bajo la dirección artística de Mónica Fernández, regresa como un recorrido por algunas de las expresiones fundamentales de la danza española y sitúa en primer plano una pregunta decisiva: cómo mantener vivo un legado escénico sin convertirlo en una ceremonia inmóvil.

Veranos de la Villa 2026 traza un mapa cultural entre tradición popular y escena contemporánea

Madrid volverá a medir su verano en clave cultural. La 42ª edición de Veranos de la Villa, organizada por el Área de Cultura, Turismo y Deporte del Ayuntamiento de Madrid, se celebrará del 7 de julio al 29 de agosto con 72 propuestas repartidas por 14 distritos. La programación tendrá como ejes principales el patio central de Conde Duque y el Claustro del Instituto San Isidro, aunque su vocación será claramente urbana: extender la cultura más allá de los grandes recintos y convertir distintos espacios de la ciudad en lugares de encuentro, escucha y celebración.

Flaix de tardor – BCN afianza su apuesta por el gran teatro europeo y latinoamericano

Tras su nacimiento en 2025, Flaix de tardor – BCN celebra su segunda edición con una voluntad cada vez más reconocible: insertar en el otoño barcelonés una programación escénica internacional capaz de dialogar con los grandes circuitos europeos y latinoamericanos sin perder su inscripción en la vida teatral de la ciudad. La iniciativa de Temporada Alta regresa a Barcelona con el apoyo de la Generalitat de Catalunya, el Ayuntamiento de Barcelona y la complicidad de distintos equipamientos escénicos, consolidando una propuesta que amplía el mapa cultural de la capital catalana durante una estación especialmente propicia para la recepción de lenguajes contemporáneos.
Entre el 16 y el 29 de octubre, cinco escenarios de la ciudad acogerán siete espectáculos internacionales, cinco de ellos presentados por primera vez en el Estado español y uno en estreno en Cataluña. La programación propone un recorrido amplio por distintas formas de entender la creación escénica actual, desde el teatro documental hasta la danza, desde la relectura de clásicos contemporáneos hasta la exploración de la memoria, el cuerpo, la violencia, la identidad y las fracturas íntimas de nuestro tiempo. Flaix de tardor – BCN se afirma así como una ventana concentrada hacia obras que llegan avaladas por su circulación en contextos artísticos de primer nivel.

‘Farsa y licencia de la reina castiza’ llega al Teatro Español como una sátira feroz sobre el poder

El Teatro Español acoge el estreno absoluto de ‘Farsa y licencia de la reina castiza’, de Ramón María del Valle-Inclán, en una versión y dirección de Ana Zamora que devuelve al escenario una de las piezas esenciales del universo esperpéntico del autor. El montaje, coproducido por el Teatro Español y Nao d’amores, podrá verse del 30 de junio al 26 de julio en la Sala Pequeña – Margarita Xirgu, dentro de la programación de este espacio del Área de Cultura, Turismo y Deporte del Ayuntamiento de Madrid.

Clásicos en Alcalá cruza su ecuador con Paloma San Basilio, El Brujo y una escena que reimagina el Siglo de Oro

La XXV edición del Festival Hispanoamericano del Siglo de Oro de la Comunidad de Madrid. Clásicos en Alcalá supera su ecuador con una tercera semana especialmente significativa dentro de su programación. La cita complutense, organizada por la Comunidad de Madrid y el Ayuntamiento de Alcalá de Henares, entra en una de sus fases más intensas con la presencia de Paloma San Basilio, el regreso de Rafael Álvarez, El Brujo, a uno de sus grandes territorios escénicos, la participación de la Compañía Nacional de Teatro Clásico y el estreno de nuevas propuestas de danza, circo, música y teatro de calle.
El festival confirma así una de sus líneas más fértiles: acercarse al legado del Siglo de Oro desde la sensibilidad contemporánea, sin convertir los clásicos en monumentos inmóviles. Alcalá vuelve a funcionar como ciudad escenario, como territorio literario y como espacio de encuentro entre tradición, investigación y lenguaje vivo. En esta tercera semana, Cervantes, Lope de Vega, Calderón, la picaresca, las voces femeninas silenciadas y los cuerpos ausentes del canon conviven con el circo, la videocreación, la música experimental, la danza española y las intervenciones urbanas.

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Federico García Lorca sigue desaparecido porque España buscó tarde y mal sobre un mapa trazado por el franquismo

Noventa años después de su asesinato, Federico García Lorca continúa sin cadáver, sin tumba y sin una certeza científica capaz de clausurar el último acto de una tragedia que España ha administrado mediante testimonios fragmentarios, búsquedas tardías, errores institucionales y una resistencia casi orgánica a mirar debajo de su propia tierra. El poeta más universal de la literatura española del siglo XX permanece atrapado en una paradoja intolerable: todos saben aproximadamente dónde lo mataron, abundan las teorías sobre quiénes participaron en el crimen y se han escrito bibliotecas enteras alrededor de sus últimas horas, pero nadie ha logrado determinar dónde depositaron su cuerpo. La desaparición no constituye un apéndice accidental del asesinato. Forma parte del crimen.

Gabriel Azorín proyecta en ‘Anoche conquisté Tebas’ una mirada queer sobre los silencios masculinos

El cineasta conversa con Urban Beat sobre la gestación de ‘Anoche conquisté Tebas’, la vulnerabilidad masculina, el tiempo, la creación colectiva y la necesidad de defender un cine situado fuera de la lógica inmediata del mercado. Una tarde de invierno de 2017, Gabriel Azorín levantó la cabeza desde una bañera con forma de sarcófago en las termas romanas de Bande y descubrió que aquella oscuridad estrellada podía reunir varios tiempos y devolver a los hombres aquello que durante siglos habían aprendido a callar. De aquella imagen nació ‘Anoche conquisté Tebas’, una película nocturna, radical y deliberadamente antiproductiva que necesitó seis años de trabajo antes de llegar a Venecia. «He callado muchas conversaciones que no llegué a tener con mis amigos; no fui capaz de reconocerles determinados miedos, de relacionarme con su vulnerabilidad o de mostrar la mía. A través de esas termas y de sus aguas mágicas, los personajes se atreven a hacer lo que yo no hice. Es una de las ventajas de la ficción: puede ser mejor que la vida».
Desde su estreno mundial en las Giornate degli Autori, la ópera prima de ficción de Azorín ha pasado por Nueva York, Viena, Gante y Tesalónica; ha obtenido el Premio Especial FUNDOS en la Seminci, el Grand Prix Janine Bazin y una mención especial en Belfort, y ha sumado otro reconocimiento en el D’A de Barcelona. El próximo 28 de agosto llegará a los cines de Madrid. La crítica ha celebrado su fotografía, su dominio del espacio y su aproximación insólita a la intimidad de los hombres: «Yo diría que es una mirada queer sobre el universo heterosexual», afirma el director.
Esa resistencia a complacer forma parte del sentido de la película: Gabriel Azorín no filmó para conquistar el mercado, sino para construir un territorio donde la amistad, el miedo y la necesidad de afecto pudieran escapar de los códigos que históricamente han condicionado su expresión.
Nacido en Hellín en 1981, Azorín se formó en la ECAM y cursó un posgrado en la Elías Querejeta Zine Eskola. Es miembro del colectivo de investigación artística lacasinegra, junto a María Antón Cabot, Carlos Pardo Ros y Elena López Riera. Tras dirigir varios cortometrajes y el largometraje documental ‘Los mutantes’, ha debutado en la ficción con una obra ambientada casi por completo en las termas de Bande, en Ourense, donde jóvenes contemporáneos y soldados romanos quedan unidos por el agua, la noche y una misma necesidad de afecto.

¿Qué hay de Freud en Dalí?

Salvador Dalí pudo sustituir el psicoanálisis por la ciencia, la religión o el mundo clásico en el relato que construyó sobre sí mismo, pero jamás consiguió expulsar a Sigmund Freud de su pintura. Bajo los cuerpos reblandecidos, las figuras múltiples, los objetos sometidos a mutación y la aparente arbitrariedad de sus paisajes persistió una misma operación: hacer visible aquello que la conciencia prefería mantener oculto. La exposición presentada por el Museo Nacional Thyssen-Bornemisza propone revisar la carrera completa del artista de Figueres a partir de esa relación. El proyecto sigue la presencia del pensamiento freudiano desde los primeros conflictos familiares de Dalí hasta sus composiciones tardías, cuando las referencias religiosas y científicas ocuparon el primer plano sin borrar el mecanismo psicológico que había organizado su mirada. La muestra, comisariada por Jaime Brihuega, podrá visitarse del 20 de octubre de 2026 al 24 de enero de 2027.

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