Música

El programa “MusaE. Música en los Museos Estatales” regresa con una nueva temporada que transforma los espacios museísticos en escenarios sonoros. Una iniciativa impulsada por Juventudes Musicales de España que busca entrelazar patrimonio material y creación musical, haciendo de las salas de los museos un territorio donde los objetos dialogan con las melodías.

En la escena del jazz europeo, pocos nombres resuenan con tanta claridad como el de Noa Lur. Nacida en Bilbao en 1983 bajo el nombre de Ainhoa Vidaurreta, su trayectoria ha sido la de una artista que no se conforma con reproducir moldes heredados, sino que los reinventa a su antojo. El próximo sábado 27 de septiembre a las 20:00 horas, la cantante presentará en el Teatro Salón Cervantes de Alcalá de Henares su nuevo proyecto: Multipolar, una producción que condensa años de exploración musical, madurez personal y una mirada crítica hacia el mundo que la rodea.

Tony Anderson nunca buscó domesticar el sonido para convertirlo en melodía fácil; lo suyo ha sido siempre escuchar el murmullo secreto del mundo y traducirlo en música. Tony Anderson nació en Fort Lauderdale, Florida, en 1986 y desde sus primeros experimentos frente a un ordenador antiguo hasta la solemnidad contenida de su obra actual, su camino ha consistido en aprender a darle forma al silencio, a las ausencias, a esos temblores interiores que rara vez encuentran palabras: “Uso instrumentos en lugar de palabras para expresar lo que siento; cada canción se convierte en un mundo independiente. Mi música alcanza su máximo esplendor cuando libera algo dentro de ti”. En su más reciente entrega, “A Million Different Ways” (29 de agosto de 2025), ese viaje se condensa en un ritual sonoro que no habla de entretenimiento, sino de trascendencia: seis piezas que parecen nacer de un mismo soplo vital y que invitan al oyente a reconocerse en lo invisible, en lo profundamente humano dentro de un un universo de sensibilidad exquisita. Tony Anderson es un compositor de enorme éxito (su obra ha acumulado más de siete mil millones de reproducciones al mes en Spotify, YouTube y Apple Music, y en TikTok su música ha recibido 1,3 millones de visualizaciones el año pasado) que, por lo general, es indiferente a la música comercial porque es un demiurgo llenos de silencios enriquecedores. Anderson nutre su obra con las influencias de los Chemical Brothers y The Prodigy.

El 11 de septiembre arranca en el auditorio de CentroCentro la nueva temporada musical, y lo hace con el regreso del ciclo “Sinetiq. Música sin etiquetas”, una propuesta singular que se atreve a desafiar moldes. Bajo la batuta curatorial del músico Andreas Prittwitz, Sinetiq debutó en julio con un lleno absoluto gracias al magnetismo de Martirio y Chano Domínguez. Sinetiq confirma su vocación: derribar fronteras estéticas y tender puentes inesperados entre estilos que, a priori, jamás se habrían cruzado. El propio comisario lo resume con precisión: se trata de un programa pensado para oyentes que buscan riesgo, que prefieren el asombro frente a lo previsible, que se permiten descubrir lo insólito y lo nuevo sin temor a las etiquetas caducas.

En la historia de la música popular hay canciones que trascienden su tiempo y contexto para convertirse en símbolos colectivos de resistencia, consuelo y catarsis. Una de ellas es “Resistiré”, compuesta en 1988 por el Dúo Dinámico —formado por Manuel de la Calva y Ramón Arcusa—, que ha atravesado décadas de transformaciones sociales hasta convertirse en un himno de resiliencia. Su influencia no solo se ha dado en el terreno musical, sino también en lo psicológico, lo cultural y lo artístico, alcanzando un rango universal comparable al de piezas que marcan épocas. La reciente muerte de Manuel de la Calva deja huérfanos al arte y cultura universales. Manuel de la Calva, deja un legado imborrable como integrante del Dúo Dinámico, pioneros del pop español desde los años sesenta. Su voz y su talento compositivo marcaron una época, consolidando himnos intergeneracionales como Quisiera ser o Resistiré. Con una trayectoria de más de seis décadas, aportó frescura, modernidad y resiliencia a la música popular, convirtiéndose en referente cultural y en símbolo de superación colectiva. Su influencia trasciende lo musical: forma parte de la memoria emocional de varias generaciones.

En el amplio y diverso panorama musical latinoamericano de las últimas dos décadas, pocas agrupaciones han logrado consolidar una identidad tan singular y a la vez tan internacional como Monsieur Periné, un poderoso proyecto colombiano liderado por Catalina García (voz) y Santiago Prieto (multiinstrumentista). Desde sus primeras apariciones en Bogotá a finales de los años 2000, la banda se ha convertido en referente de innovación sonora gracias a su capacidad de fusionar géneros aparentemente distantes y de construir un universo propio que oscila entre lo íntimo y lo festivo, lo local y lo cosmopolita. Monsieur Periné, ganador de dos Latin Grammy y referente de la nueva música latina, vuelve a España para reencontrarse con su público con cuatro conciertos muy esperados: 5 de septiembre (Vive Latino Zaragoza), 8 de septiembre (Sala Razzmatazz, Barcelona), 11 de septiembre (Sala Moon, Valencia), 12 de septiembre (Sala Movistar Arena). Antes de esta gira, la banda lanzará el próximo 28 de agosto su nuevo single.

El próximo 30 de septiembre, Madrid acogerá un acontecimiento musical único: la llegada de Jessie Reyez a la Sala Wagon, Madrid en el marco de su gira mundial “Paid In Memories Tour”. Será la única oportunidad de verla en directo en España, un concierto que no solo promete desplegar la fuerza de su nuevo material, sino también confirmar la magnitud de una artista que en menos de una década se ha convertido en una de las voces más influyentes del panorama internacional.

El cantautor belga de ascendencia egipcia, Tamino-Amir Moharam Fouad, vuelve a España con dos actuaciones muy esperadas en las que dará a conocer, por primera vez en vivo en nuestro país, las canciones de su tercer trabajo de estudio: “Every Dawn’s a Mountain”. Enmarcado dentro de su EU Fall Tour, el artista se subirá al escenario de la sala Razzmatazz de Barcelona el 22 de septiembre y, al día siguiente, al de La Riviera en Madrid.

Desde las tiernas tierras frías de Burgos hasta el ardor explosivo voluptuoso de los tablaos madrileños, la travesía de Álvaro Sola no ha sido solo musical, sino una revolución íntima, política y poética, llena de aprendizajes . No solo representa al flamenco más transgresor, se desangra en él. No busca etiquetas: dinamita los conceptos arcaicos y se refunde como un precursor de las raíces flamencas entendidas en un universo musical inclusivo, diverso, desbordante y con una originalidad apoteósica. Su infancia forjó su valor entre coplas de Lola Flores, Rocío Jurado o Marifé de Triana y se enfrentó a murmuraciones inquisidoras que buscaban etiquetarlo con saña sin lógicas razones. Álvaro Sola es un artista inclasificable porque diluye lo binario del flamenco más vanguardista. Álvaro ha convertido su existencia profesional en un manifiesto artístico: “Soy una persona no binaria, un maricón pintado con peluca que en esta sociedad dualista es difícil de entender muchas veces”. Álvaro Sola canta desde “las entrañas”, lo que muchos temen nombrar. Su estética revolucionaria coquetea con una fina sensibilidad musical, hilvanada por un talento único, sin fisuras. En esta entrevista en exclusiva para Urban Beat, Álvaro Sola se presenta “sin filtros”: el arte como activismo, el dolor como himno, y el flamenco —ese refugio que a veces escuece a los puritanos de turno— como un territorio sin puertas, donde habitar el alma sin pedir permiso. Su quehacer artístico incluye “Puñales” EP 2022 y “Sombras” (LP) 2024 . El próximo 5 de agosto subirá con su espectáculo “Sombras” a los escenarios del Instituto de Educación Secundaria (IES) San Isidro – Claustro del Pozo de Madrid, en el marco inigualable de “Veranos de la Villa”.

La productora británico-checa Emika regresa en 2025 con “Frames”, un EP de arquitectura precisa y emocionalmente expuesta. Publicado a través de su propio sello Emika Records, este trabajo representa una nueva fase introspectiva y formalmente sofisticada en su carrera, anclada en un minimalismo estructural que hibrida la tradición clásica con la electrónica de vanguardia.