Cine y televisión

En una Europa atravesada por la sospecha institucional y la fatiga de sus propios mecanismos de control, el cine de Dominik Moll regresa a un territorio que no le es ajeno: el de las grietas morales que sostienen —y a la vez erosionan— el aparato policial. Caso 137, su nuevo largometraje, se inscribe en esa cartografía incómoda donde la verdad no se presenta como evidencia, sino como conflicto. El filme, que llegará a los cines el próximo 19 de junio, se consolida como uno de los estrenos más significativos del thriller europeo contemporáneo.

El cine de Ildikó Enyedi ha operado históricamente en una zona de fricción donde la imagen deja de ser representación para convertirse en interrogación. Con El amigo silencioso (Silent Friend), cuyo estreno en salas españolas está previsto para el 15 de mayo, la directora húngara no regresa tanto como insiste: vuelve a formular, desde otro ángulo, una misma pregunta sobre los límites de la percepción y la posibilidad de pensar lo vivo más allá de su utilidad narrativa. Tras su recorrido por el Festival de Venecia, donde obtuvo el reconocimiento de la crítica internacional con el premio FIPRESCI y el galardón Marcello Mastroianni para Luna Wedler, y su paso por la Seminci, donde fue distinguida con la Espiga de Plata, la película llega a España acompañada de una recepción que subraya su carácter expansivo y su resistencia a cualquier clasificación convencional.

El cine soviético no se mira: se habita. Sus imágenes laten con el pulso de fábricas, trenes que no se detienen, plazas llenas de pasos que se cruzan, de miradas que buscan y cuestionan. Cada gesto, cada sombra, cada plano está cargado de intensidad, de movimiento y de deseo. Es la urgencia de una sociedad que se reinventa, que duda, que sueña en colectivo, que construye mundos mientras los desarma y los vuelve a formar. No es historia ni tradición: es un lenguaje que piensa, que provoca, que desafía, que convierte la imagen en fuerza y en experiencia.
Los silencios hablan, los gestos interrogan, las calles respiran más que las palabras, los encuadres se llenan de preguntas que persisten. Mirarlo es perderse en esa intensidad, dejar que la imagen te atraviese, que se quede, que siga latiendo cuando todo se ha apagado. Es un cine que no se olvida, que transforma la manera de ver, de sentir, de estar en el mundo. Cada fotograma es un territorio, cada escena un espejo; un pulso que arrastra, que fascina, que habita la memoria mucho después de que la pantalla se apaga.

En un ecosistema audiovisual saturado de fórmulas reiterativas, donde el crimen se ha convertido en un género de consumo más que en un dispositivo narrativo, irrumpe una anomalía deliberada: “Esto no es un misterioso asesinato”. La miniserie belga, que aterriza el 7 de abril en Filmin, no se limita a reactivar el clásico whodunit, sino que lo descompone desde dentro, infiltrándolo con una lógica ajena: la del surrealismo.

El documental contemporáneo atraviesa un momento de expansión formal en el que las fronteras entre lo íntimo y lo político se diluyen. En ese marco se inscribe “La noche de la infancia”, primer largometraje de Xisi Sofia Ye Chen, que tendrá su estreno en la 57ª edición de Visions du Réel (Nyon, del 17 al 26 de abril), donde compite como única producción española en la sección internacional.

La deriva de una saga no siempre se mide por su agotamiento formal, sino por su incapacidad para sostener el dispositivo que la hizo viable dentro de su propio patriotismo estéril. En ese punto se instala Torrente Presidente, una pieza que ya no opera como sátira sino como eco degradado de sí misma, como si el personaje hubiera dejado de ser una caricatura incómoda para convertirse en una inercia narrativa sin fricción. A duras penas intenta dar por buena la grosería barata, el sinsentido grotesco o los gags de cuñados resacosos. Torrente Presidente es una especie de “alien” cinematográfico que se alimenta de cameos trascendentes mientras se autodestruye por no tener una lógica narrativa sólida, un argumento coherente o un mínimo de respeto por la decencia de la cinematografía contemporánea. El problema no es la vulgaridad de su planteamiento, sino su ansia de de no llegar a ningún sitio. Es el típico “cinebasura” que aburre aunque ostente la innovadora intención de parodiar a VOX. Es ridiculizar lo ridículo sin gracia, sin talento, sin la voluntad de cineastas que se toman en serio su oficio.

El próximo 9 de abril, las salas españolas recibirán “Ramón y Cajal: dibujos en la retina”, un documental dirigido por Luis Gómez Juanes que se adentra en la figura del Nobel aragonés desde un territorio poco transitado: el de la imagen como origen y destino del pensamiento científico. La película irrumpe en cartelera como un acontecimiento singular dentro del cine científico nacional, no solo por su objeto de estudio, sino por la manera en que lo aborda: desbordando la biografía para penetrar en la lógica íntima de la mirada.

El cine, cuando se compromete con la realidad, se convierte en una herramienta poderosa para visibilizar aquello que muchas veces permanece oculto. En este contexto, la actriz, guionista y productora Mercedes del Olmo presenta “Un niño escucha”, un cortometraje que aborda la violencia de género y la violencia vicaria desde una perspectiva poco habitual: la de un menor que vive y sufre en silencio una realidad desgarradora. Lejos de edulcorar el relato, la obra apuesta por una narración directa y honesta, que interpela al espectador y le obliga a enfrentarse a una problemática tan vigente como dolorosa.
Con una trayectoria marcada por la inquietud creativa y el espíritu emprendedor, Del Olmo asume en este proyecto un triple rol que evidencia su implicación personal y artística. En esta entrevista, nos habla del origen del cortometraje, de los retos de producir cine independiente con contenido social, de su experiencia trabajando con Juanjo Artero y de la importancia de contar historias que incomodan, pero que resultan necesarias. Porque, como ella misma defiende, solo enfrentando la realidad sin filtros es posible generar conciencia y avanzar hacia el cambio.

Hay películas que no se limitan a ganar premios: se instalan en la conversación cultural como una herida abierta. “Valor sentimental “pertenece a esa categoría. La cinta de Joachim Trier se alzó en la última edición de los Premios Oscar con la estatuilla a mejor película internacional, coronando un recorrido que ya había sido refrendado en el Festival de Cannes con el gran premio del jurado. Pero su éxito no se mide solo en galardones: también en la densidad emocional que propone y en la constelación de nominaciones que la acompañaron, desde mejor dirección hasta interpretación, pasando por guion original y montaje.

Cada edición de los Premios Goya pretende celebrar lo mejor del cine español. Sin embargo, en los últimos años la conversación pública ha girado menos en torno a las películas premiadas que a un elemento aparentemente periférico: la presencia desmesurada de influencers en la alfombra roja. Lo que en principio podría parecer una cuestión menor —un ajuste comunicativo en la era de las redes sociales— se ha convertido en un síntoma de algo más profundo: la fricción entre dos modelos de legitimidad cultural. La invasión de las “influencers” de alfombra roja ya es un hecho ineludible.
La escena se ha vuelto familiar. Entre intérpretes, cineastas y técnicos del cine español aparecen figuras procedentes del ecosistema digital que acumulan millones de seguidores en redes sociales. En las últimas ediciones de la gala, nombres como María Pombo, Dulceida o Laura Escanes han desfilado con sus típicos modelitos por la alfombra roja con la arrogante naturalidad de quien se mueve en territorio conquistado. Para algunos espectadores, su presencia representa una democratización mediática; para otros, una especie de cortocircuito cultural entre el cine y el marketing digital.