Artes Escénicas

El flamenco no recuerda: reaparece. Y en ese regreso —que no es arqueología, sino fricción con el presente— es donde «Humo» la nueva pieza de Rafaela Carrasco, encuentra su lugar. El Centro Danza Matadero acoge su estreno absoluto hasta el 19 de abril, dentro de una programación que convierte el mes en un campo de intensidad coreográfica y que culminará el 29 con el Día Internacional de la Danza. Pero lo que aquí se pone en juego no es una efeméride: es una memoria que se niega a quedarse quieta.

En un presente que ha aprendido a convivir con la violencia mientras la desplaza fuera de campo,«Utopía en llamas» irrumpe como un dispositivo escénico que obliga a mirar allí donde la mirada suele retirarse. Dirigida por Concha Delgado y Sandra Ferrús, con dramaturgia de Alda Lozano, la pieza se presenta en el Centro Dramático Nacional como una cartografía fragmentada —un collage— de la tragedia contemporánea de las mujeres atrapadas en redes de explotación sexual. El montaje puede verse hasta al 26 de abril en el Teatro María Guerrero, convertido aquí en un espacio de confrontación más que de representación.

La programación de Teatros del Canal incorpora una de esas piezas que no se limitan a ocupar un escenario, sino que lo tensionan. STUCK, primera creación coreográfica de la artista francesa Mounia Nassangar, llega a la Sala Negra del 15 al 18 de abril como un dispositivo escénico que desplaza el centro de gravedad de la palabra al cuerpo, allí donde el lenguaje verbal ya no alcanza.

El teatro, cuando decide interrogar su propia función, deja de ser un espacio de representación para convertirse en un dispositivo de intensidad que trasciende el tiempo y el espacio porque se intuye su propia significancia cultural. Con Ese ruido es un animal, María Velasco escribe y dirige una nueva producción de Cuarta Pared que, tras aplazar su estreno inicial, podrá verse finalmente del 7 al 23 de mayo. Lejos de limitarse a una propuesta escénica convencional, la pieza articula una hipótesis que atraviesa todo el montaje: que la vida, en su forma más radical, necesita una banda sonora capaz de intensificar la experiencia, de activar el cuerpo y de devolverle una conciencia que el entorno digital tiende a diluir.

En un tiempo escénico dominado por la saturación de signos y la hiperactividad narrativa, la radical quietud emerge como gesto político y estético. Teatros del Canal acoge “Bérénice”, la relectura que Romeo Castellucci realiza del texto de Jean Racine, una operación de despojamiento que convierte la tragedia clásica en un territorio de concentración extrema donde la palabra se vuelve materia y la voz, arquitectura. En el centro gravitacional de esta propuesta se sitúa Isabelle Huppert, convertida en presencia absoluta, en eje inmóvil alrededor del cual orbita todo el dispositivo escénico.
La pieza, programada del 10 al 12 de abril en la Sala Roja Concha Velasco, se articula como un monólogo que no adapta tanto como reconfigura el original raciniano. Castellucci no traduce la obra: la tensiona hasta llevarla a un umbral donde la teatralidad se repliega sobre sí misma. Bérénice deja de ser personaje para devenir fenómeno: una figura que encarna, simultáneamente, el deseo, la renuncia y la imposibilidad de reconciliar lo íntimo con lo político. La actriz, definida por el propio director como una “estrella fija”, no actúa dentro de la escena, sino que la funda.

Teatros del Canal de Madrid activa en abril una coreografía expandida que convierte el movimiento en lenguaje crítico y territorio de experimentación. Cuatro propuestas —procedentes de Corea del Sur, Francia y España— configuran un programa que no se limita a exhibir danza, sino que tensiona sus límites, atravesando registros que van del waacking a la danza-teatro, de la memoria íntima al imaginario colectivo.

La escena europea vuelve a mirarse en el espejo de sus propias fisuras, y lo hace desde una cima incierta, suspendida entre la ironía y el desconcierto. El director suizo Christoph Marthaler aterriza en Teatros del Canal con The Summit, una pieza que descompone los códigos de la convivencia contemporánea para revelar, bajo la apariencia de lo cotidiano, la persistente fractura del lenguaje en la Europa actual.

La irrupción de “Bloody Moon” en el Centro Danza Matadero desborda la lógica de la programación de abril y abre un territorio de fricción donde el cuerpo se afirma como lenguaje en expansión. La Danish Dance Theatre, bajo la dirección de Marina Mascarell, articula en la Nave 11 un dispositivo coreográfico orientado a la intensificación: energía, sensualidad y color como vectores de una experiencia que tensiona y amplía los límites de la percepción estética. Entre el 9 y el 11 de abril, este montaje inaugura el denominado mes de la danza del espacio madrileño, una programación que culminará el 29 de abril —Día Internacional de la Danza— con Celebra26. Pero reducir “Bloody Moon” a una pieza inaugural sería un error de escala: lo que propone es una inmersión en el exceso, en la fisicidad llevada al límite, en una concepción del movimiento como acto casi ritual.

La escena queda desnuda cuando el teatro se vacía. No hay ya representación, sino residuo simbólico del hecho teatral consumado. Es precisamente en ese territorio —ese instante posterior al ensayo, donde lo escénico se repliega y emerge lo íntimo— donde Ernesto Caballero sitúa su nueva incursión en el universo de Ingmar Bergman. El resultado: una versión depurada de “Tras el ensayo”, que se estrena el 4 de abril en el Teatro Español y permanecerá en cartel hasta el 17 de mayo en la Sala Margarita Xirgu.

El Teatro Español acoge hasta el 26 de abril “Malquerida”, una relectura contemporánea del clásico de Jacinto Benavente que, más que actualizar el texto, lo somete a una tensión nueva: la de enfrentarlo a un presente que ya no disimula sus pulsiones. Bajo la dirección de Natalia Menéndez —quien firma la adaptación junto a Juan Carlos Rubio— la obra recupera su espesor trágico sin quedar atrapada en el peso de época.