Artes Visuales

En un tiempo donde la experiencia museística tiende a oscilar entre la espectacularización y la pedagogía, CaixaForum Sevilla activa una propuesta que articula ambas dimensiones sin diluir su rigor científico:«Dinosaurios de la Patagonia» , una exposición desarrollada por el Museo Paleontológico Egidio Feruglio (MEF) que propone un desplazamiento radical —geográfico y temporal— hacia uno de los territorios más fértiles en restos fósiles del planeta. La muestra, presentada el 9 de abril de 2026 por Moisés Roiz, Alejandro Pérez y el paleontólogo José Luis Carballido, se abre al público hasta el 12 de octubre como una inmersión en la era mesozoica y en la complejidad evolutiva de los dinosaurios que habitaron la Patagonia durante más de 200 millones de años.

El Museo Lázaro Galdiano inaugura esta primavera una propuesta expositiva que trasciende la mirada contemplativa para adentrarse en una cartografía emocional de profundos habitáculos ecomocionales. La casa del agua, el nuevo proyecto de Ángel Marcos, se despliega como una arquitectura visual donde imagen, memoria y territorio se entrelazan hasta diluir las fronteras entre documento y experiencia.
Desde el 9 de abril hasta el 28 de junio, la institución madrileña acoge una propuesta concebida específicamente para sus salas, articulada en tres núcleos —agua, casa y viaje— que operan como vectores de una reflexión más amplia: habitar no como gesto físico, sino como pulsión afectiva, como forma de leer el mundo a través de sus restos. La imagen deja de ser superficie para convertirse en depósito de tiempo, en extensión de una memoria que se proyecta sobre el paisaje.

En Museo Reina Sofía, donde la historia no se conserva sino que se tensiona, arranca un programa expositivo que cuestiona una de las inercias más persistentes del relato artístico occidental: la ilusión de continuidad. Bajo el título La historia no se repite, pero rima —una frase tantas veces atribuida como falsamente adjudicada a Mark Twain—, el museo propone no tanto una lectura cronológica como un sistema de fricciones. La historia no como archivo, sino como reverberación. Este ciclo podrá apreciarse hasta el 22 de septiembre.

La masculinidad ha dejado de ser una categoría estable para convertirse en un campo de disputa. En ese desplazamiento —acelerado por la proliferación de discursos digitales que simplifican y radicalizan sus formas— se inscribe “Más allá de la Manosfera: Masculinidades Hoy”, la exposición que el Stedelijk Museum Amsterdam acoge del 17 de abril al 2 de agosto de 2026. Lejos de limitarse a reaccionar ante el fenómeno de la llamada “manosfera”, la muestra propone una operación más ambiciosa: desmontar sus códigos sin sustituirlos por una nueva ortodoxia.

En la historia del arte occidental, el retrato femenino ha funcionado durante siglos como una superficie de proyección: no tanto un espacio de representación de la mujer, sino un dispositivo para fijar sobre ella un ideal. Belleza, virtud, silencio, disponibilidad simbólica. El lienzo como espejo deformante de una construcción cultural. En ese territorio —densamente codificado, aparentemente agotado— irrumpe la obra de Ewa Juszkiewicz (Gdańsk, 1984), no como una ruptura estridente, sino como una operación más sutil y, por ello, más incisiva: desarmar el retrato desde dentro. Dentro de su programa de exposiciones en torno a la colección de Blanca y Borja Thyssen-Bornemisza, el museo presenta una monográfica de la artista polaca Ewa Juszkiewicz del del 26 de mayo al 6 de septiembre.

La historia del arte ha construido una jerarquía tan persistente como arbitraria, capaz de relegar a sus márgenes a figuras cuya influencia resulta, sin embargo, estructural. En ese pliegue de reconocimiento desigual se inscribe Martín Schongauer (Colmar, c. 1445 – Breisach, 1491), a quien Albrecht Dürer bautizó como “el apuesto Martín”, y cuya obra, pese a permanecer aún circunscrita en gran medida al ámbito de los especialistas, configura uno de los núcleos visuales más decisivos de la Baja Edad Media.
El Museo del Louvre presenta una exposición retrospectiva dedicada a este genial artista del 8 de abril al 20 de julio de 2026. La muestra se articula en torno a un centenar de piezas y no se limita a restituir su figura, sino que activa un dispositivo de lectura histórica que permite medir la persistencia de su lenguaje a través del tiempo y las fronteras. El recorrido reúne dibujos de rara circulación, una selección amplia de los grabados que cimentaron su proyección europea y, de forma excepcional, casi la totalidad de las pinturas que se le atribuyen: retablos y tablas de caballete entre las que sobresale la Virgen del Rosal (1473), único panel fechado del artista y eje silencioso de su producción pictórica.

Madrid suele mirarse en sus fachadas, en sus avenidas, en la repetición casi litúrgica de sus recorridos urbanos. Pero, entre grietas, aceras levantadas y descampados que nadie reclama, otra ciudad —más silenciosa, más obstinada— crece sin pedir permiso. A esa vida vegetal que resiste en los márgenes dedica su atención el festival “Salvajes, silvestres y espontáneas”, que se celebra del 10 al 25 de abril en La Casa Encendida, impulsado por la Fundación Montemadrid.

Es un diálogo y a su vez, una colisión suspendida en el tiempo. La exposición “Miguel Ángel Rodin: Cuerpos Vivos”convoca a Miguel Ángel y Auguste Rodin en un mismo plano de intensidad, donde sus obras dejan de pertenecer a sus siglos para enfrentarse cuerpo a cuerpo. Lo que emerge no es una comparación académica, sino una tensión latente: dos formas de esculpir la vida que, aún hoy, siguen negándose a quedar inmóviles.
La muestra, que reúne más de doscientas piezas y podrá visitarse entre el 15 de abril y el 20 de julio de 2026 en el museo del Louvre, no se limita a exhibir obras: articula una tensión. Lo que aquí se confronta no es solo un legado, sino una forma de entender el cuerpo como territorio donde lo visible y lo invisible se disputan el sentido. El cuerpo —piel, volumen, superficie— aparece como una membrana atravesada por algo más: una energía interna que ambos artistas intentaron hacer perceptible.

En el corazón del Berlín contemporáneo, la Neue Nationalgalerie vuelve la mirada hacia uno de los períodos más convulsos y fascinantes de la historia europea. La exposición “Ruin und Rausch” —traducible como “Ruina y éxtasis”— propone un recorrido por el Berlín de las décadas de 1910 y 1920, un tiempo atravesado por tensiones históricas, transformaciones sociales y una efervescencia cultural que todavía resuena en la memoria artística del siglo XX. La muestra podrá apreciarse del 25 de abril de 2026 al 3 de enero de 2027.

El Museo Thyssen-Bornemisza vuelve a mirar hacia el corazón del barroco italiano con una propuesta que no solo rescata la potencia pictórica de uno de sus grandes maestros, sino que también invita a reconsiderar la presencia femenina en la iconografía bíblica. La institución madrileña reúne una selección significativa de obras de Giovanni Francesco Barbieri (Cento, 1591 – Bolonia, 1666), más conocido como Il Guercino, figura capital de la pintura del norte de Italia en el siglo XVII.