Artes Visuales

El Museo de Arte Moderno de Varsovia abre una doble línea de lectura sobre el siglo XX: una conduce al surrealismo entendido como movimiento político, internacionalista y antifascista; la otra se adentra en las relaciones de Polonia con la negritud y el África subsahariana durante los años de la República Popular. Las exposiciones ‘Jesteś w sercu zmian. Surrealizm i antyfaszyzm’ —‘Estás en el corazón del cambio. Surrealismo y antifascismo’— y ‘Drogi Czarnych wkraczają w Biały Ląd’ —‘Los caminos de los negros entran en la Tierra Blanca’— no funcionan como relatos paralelos, sino como dos movimientos de una misma pregunta: qué ocurre cuando el arte deja de ser un refugio estético y se convierte en una forma de resistencia frente a la violencia organizada. Las muestras podrán apreciarse hasta el 1 de enero de 2027.

Frida Kahlo vuelve a Londres no como una presencia encerrada en la solemnidad del museo, sino como una figura capaz de desbordar sus propios marcos. Coincidiendo con la apertura al público de ‘Frida: The Making of an Icon’ en Tate Modern, la capital británica ha activado un programa de intervenciones urbanas que lleva la imagen, la memoria y la influencia de la artista mexicana más allá de la sala expositiva. El fenómeno no se limita a una exposición de verano. Propone una lectura más amplia: la de una creadora cuya biografía, durante décadas convertida en mito, sigue funcionando como una gramática visual para hablar de cuerpo, dolor, deseo, política, feminismo, herencia mexicana e identidad queer.
El gesto más visible se encuentra en Carnaby Street, en pleno Soho, donde ‘¡Frida Icónica!’ ha convertido una de las calles más reconocibles de Londres en una instalación pública de fuerte carga simbólica. Allí, el papel picado mexicano, diseñado por la artista Alejandra Ballesteros, cae sobre la calle como una arquitectura ligera de color. No actúa solo como ornamento. Remite a una tradición popular, ceremonial y festiva, pero también a una manera de entender la imagen como tejido colectivo. Bajo esa lluvia suspendida de formas, motivos y escenas vinculadas a la vida y obra de Kahlo, Carnaby Street deja de ser únicamente un eje comercial y turístico para convertirse en un pasaje de memoria cultural. ‘¡Frida Icónica!’ permanecerá en Carnaby Street hasta el 31 de agosto.

La Biblioteca y Centro de Documentación del Museo Reina Sofía abre al público ‘Leche, nieve, lágrima, mano. El saber hacer de Blanca Sánchez’, una exposición dedicada a revisar la trayectoria de Blanca Sánchez Berciano (Madrid, 1948-2007), una de esas figuras cuya importancia no siempre cabe en las categorías habituales de la historia del arte. Comisaria, gestora cultural, coleccionista, artista y presencia central de la movida madrileña, Sánchez construyó durante décadas una forma de estar en la cultura que no separaba la intuición del trabajo, ni el archivo de la vida, ni la sensibilidad privada de la práctica profesional.

La Berlinische Galerie de Berlín presenta ‘Hero’, una gran exposición individual de Monira Al Qadiri, artista kuwaití nacida en Dakar en 1983 y formada en Japón, cuya obra ha construido una de las lecturas más incisivas de la llamada petrocultura del Golfo. La muestra sitúa en el centro de la escena un motivo tan reconocible como perturbador: el petrolero. Ese gigantesco cuerpo flotante, asociado durante décadas al comercio energético y a la promesa de prosperidad industrial, aparece aquí como una figura cargada de poder, exceso y deterioro. La exposición podrá apreciarse hasta el 17 de agosto de 2026.

El Museo de Arte Moderno de Nueva York vuelve sobre uno de los capítulos decisivos de su propia historia con ‘Arte popular estadounidense: Una revisión de la colección de Abby Aldrich Rockefeller’, una exposición que podrá verse del 13 de junio al 9 de agosto de 2026 y que sitúa en el centro una pregunta mayor: cómo ciertas formas de creación nacidas fuera del canon académico llegaron a ocupar un lugar esencial en la construcción del arte moderno estadounidense. La muestra celebra la colección reunida por Abby Aldrich Rockefeller, cofundadora del MoMA en 1929 junto con Lillie P. Bliss y Mary Quinn Sullivan, y recupera la dimensión fundacional de un conjunto de obras que, durante las primeras décadas del museo, ayudó a pensar el arte popular como antecedente, contrapunto y energía secreta del modernismo.

Desde el 11 de junio hasta el 23 de agosto, el Museo Lázaro Galdiano y la Fundación Casamor proponen una nueva aproximación a la obra de Antón Casamor, una de las figuras centrales de la escultura catalana del siglo XX. La exposición ‘Antón Casamor: luz y escultura’ sitúa doce piezas en el Jardín de Parque Florido, un espacio histórico donde la materia escultórica deja de estar protegida por la neutralidad del interior museístico y se enfrenta a una realidad más inestable: la luz variable del día, la presencia de los árboles, el movimiento del aire, la sombra y el recorrido físico de quienes observan.

El año 2026 marca una fecha decisiva para la relectura de una de las creadoras más singulares del arte contemporáneo español. El 13 de abril se cumplieron cien años del nacimiento de Aurèlia Muñoz Ventura —Barcelona, 1926-2011—, una artista que transformó el tejido, el nudo, el bordado, el papel y la suspensión escultórica en territorios de investigación formal, espiritual y material. Con motivo de esta efeméride, el Año Aurèlia Muñoz despliega una programación institucional y cultural que no se limita a celebrar una trayectoria, sino que activa una revisión profunda de su legado desde el presente.
La conmemoración, declarada Conmemoración Oficial de la Generalitat de Catalunya, reúne a museos, archivos, centros de arte, espacios patrimoniales y agentes culturales en torno a una figura que durante décadas desbordó las clasificaciones convencionales. Aurèlia Muñoz trabajó desde lenguajes históricamente situados en los márgenes de la gran narrativa artística —el macramé, el bordado, la fabricación manual de papel, las estructuras textiles— y los condujo hacia una dimensión radicalmente contemporánea. Su obra sostuvo un diálogo persistente entre tradición y vanguardia, entre artesanía y escultura, entre conocimiento ancestral e imaginación técnica.

El Museo Centro de Arte Dos de Mayo de la Comunidad de Madrid presenta “Antonio Ballester Moreno. El cielo y la tierra”, una exposición que propone una aproximación expandida al paisaje, no como género detenido en la contemplación formal, sino como territorio sensible donde confluyen memoria, educación, materia, comunidad y experiencia. La muestra, organizada por el CA2M, podrá visitarse hasta el 27 de septiembre de 2026.

Spencer Tunick, el artista visual neoyorquino que ha convertido el cuerpo desnudo en una herramienta de ocupación simbólica del espacio público, realizará el próximo 26 de julio de 2026 en Gran Canaria una nueva acción masiva bajo el título «GRAN SPECTRUM». La intervención, integrada en el marco de Culture & Business Pride 2026, situará a las Islas Canarias en el centro de una operación artística de alcance internacional, concebida como una gran composición humana inspirada en los colores de las banderas LGTBIQA+ y en la capacidad del cuerpo colectivo para formular una declaración pública de visibilidad, libertad y convivencia.

Del 5 de junio al 30 de agosto, el Museo Lázaro Galdiano acoge, dentro de la Sección Oficial de PHotoESPAÑA, «Bunny», la primera exposición individual en España de Talia Chetrit (Nueva York, 1982), una de las autoras que con mayor lucidez ha situado la fotografía contemporánea ante sus propias tensiones internas. La muestra, presentada gracias a FUNDACIÓN LOEWE, reúne una veintena de imágenes que atraviesan distintas etapas de su trayectoria, desde sus primeros trabajos hasta piezas inéditas, y propone una lectura de la imagen como territorio de deseo, control, representación y ambigüedad.