Urban Beat Contenidos

Amie Siegel

Amie Siegel presenta “Arenas movedizas”, su primera retrospectiva en España

El Centro Andaluz de Arte Contemporáneo (CAAC), presenta ‘Arenas movedizas’, la primera muestra retrospectiva en España de la artista estadounidense Amie Siegel. La exposición ocupa parte de la zona monumental del CAAC, en concreto la iglesia, la Capilla de Colón, la Capilla de Profundis, la Sacristía y la Capilla de la Magdalena de la antigua Cartuja de Santa María de las Cuevas, y ha sido concebida en diálogo directo con estos espacios históricos. Mediante una selección de obras en múltiples medios, como películas, fotografías, pinturas y esculturas, Siegel conecta los espacios históricos, sus usos y materiales con las preocupaciones del presente. Comisariada por Yara Sonseca, la muestra puede visitarse hasta el 31 de agosto de 2025.
Amie Siegel

Amie Siegel, reconocida por su trabajo en múltiples medios, centra su práctica en torno al ‘tiempo profundo y las ecologías y economías en evolución de nuestro mundo material. A lo largo de la exposición se invita al público a ejercer como testigo de la transformación de los recursos naturales en sistemas de creencias y herramientas de poder. La tensión entre la violencia latente en los temas sociales expuestos y la elegancia de su presentación es un aspecto clave de la obra de Amie Siegel, señala la comisaria Yara Sonseca. En ‘Arenas movedizas’, el recorrido por la exposición en el CAAC se convierte en una experiencia de descubrimiento de significados y materiales que va desde las partículas de arena dentro de un reloj hasta los flujos globales del mármol, el oro o el petróleo. A escala monumental se presenta la videoinstalación multicanal ‘Asterisms’ (2021), constituyendo el núcleo de la exposición en la antigua Iglesia de Santa María de las Cuevas.  En ella, Siegel explora los sistemas económicos y sociales tomando como epicentro a los Emiratos Árabes Unidos. Diferentes imágenes se proyectan, en ocasiones superpuestas, abordando temas como las islas artificiales, las fábricas de oro, la extracción del petróleo o la mano de obra migrante que sustenta dicho sistema.   El espacio de la Sacristía albergará la proyección panorámica flotante ‘Quarry’ (2015), que rastrea la cadena de producción del mármol blanco desde las canteras subterráneas en Vermont hasta las lujosas urbanizaciones en Manhattan. Con mirada crítica y estética a la vez, la obra revela cómo un material asociado a la escultura clásica se convierte en símbolo mundano aplicado a apartamentos de lujo que buscan ostentar la materialidad y el valor del arte.

Amie Siegel
Yara Sonseca, comisaria de la muestra

‘Dynasty’ (2017) es una instalación escultórica centrada en un fragmento de mármol rosa procedente del vestíbulo de la Torre Trump, adquirido por la artista en eBay tras las elecciones estadounidenses de 2016. El fragmento se presenta eje de la obra resultante, que se expone en la Capilla de Profundis, que incluye otros elementos relacionados con la adquisición de la pieza, y plantea la relación entre autenticidad y creencia, materialidad e ideología.

En la Capilla de la Magdalena, la proyección ‘Surrogates’ (2016) presenta detalles de esculturas clásicas pertenecientes al Museo Arqueológico Nacional de Nápoles, sus fracturas y reparaciones a las mismas. Esta pieza dialoga directamente con los restos arquitectónicos del claustro y las tumbas de mármol de la capilla, reforzando el vínculo con el entorno. Las pinturas ‘Marble Dust Paintings’ (2019) son una serie de obras realizadas con polvo de mármol, un sedimento generado por los grandes cortadores de mármol que aparecen en su película Quarry. Siegel examina cómo este residuo, procedente del ámbito de la escultura clásica, se transforma en el substrato del medio pictórico. Las obras funcionan como piezas autónomas y también como reproducciones de los sistemas que analiza. Estas obras, que se ubican en la Capilla de Colón, se alinean con el interés del arte contemporáneo por las composiciones fortuitas y con las investigaciones de Siegel sobre el valor dentro del mercado del arte y la transformación de un material desechado en algo preciado. En la Capilla de Colón se muestran también las obras ‘Listening to the Universe’ (2014), que recoge la colección de la artista de postales de museos de ciencia y alude al vacío de sonido del espacio exterior frente al esfuerzo humano por conocer, y ‘Relojes de arena’ (2025), creada específicamente para esta exposición. 

En palabras de la comisaria, esta nueva obra condensa ‘la duración de un bucle de película, el movimiento de la materia y la fragilidad de los elementos en una reflexión urgente sobre el tiempo y una discreta invitación a estar presente en el ahora’. Esta exposición en el CAAC, Amie Siegel propone una experiencia sensorial, crítica y meditativa en torno a la materia y su relación dentro de los sistemas políticos y económicos de la actualidad.

Amie Siegel

Acerca del El Centro Andaluz de Arte Contemporáneo (CAAC):https://www.caac.es/

Compartir:

Facebook
Twitter

Deja un comentario

Tu dirección de correo electrónico no será publicada. Los campos obligatorios están marcados con *

¡Descarga ahora el último número de nuestra revista!
Amie Siegel

La endometriosis deja de ser invisible en la nueva instalación de Laia Abril

Durante más de siglo y medio, la endometriosis ha soportado una doble condena: la agresión física de una enfermedad crónica y la sospecha cultural proyectada sobre quienes intentaban explicar su sufrimiento. ‘Endometriosis. El dolor silenciado 1860-2026’, la instalación inédita de Laia Abril presentada por PHotoESPAÑA y el Museo Nacional del Romanticismo, convierte esa continuidad histórica en una acusación visual contra la indiferencia clínica, el abandono institucional y la normalización del dolor femenino. La exposición, inaugurada el 2 de junio en Madrid, podrá visitarse gratuitamente hasta el 13 de septiembre de 2026.
El título establece una cronología deliberadamente incómoda. En 1860 se realizó una de las primeras descripciones médicas de la endometriosis; en 2026, millones de personas continúan enfrentándose a demoras en el diagnóstico, tratamientos insuficientes y consultas en las que sus síntomas son relativizados. Abril transforma esos 166 años en la medida de un fracaso: el progreso científico ha sido incapaz de erradicar por completo los prejuicios desde los que se interpreta el cuerpo femenino.

Brassaï descifra los signos secretos de París en el Moderna Museet

El Moderna Museet de Estocolmo reconstruye la geografía nocturna y secreta de París a través de la mirada de Brassaï, uno de los grandes renovadores de la fotografía europea del siglo XX. Abierta hasta al 4 de octubre de 2026, ‘Brassaï. Los signos secretos de París’ reúne más de 160 fotografías en blanco y negro y constituye la primera gran presentación dedicada al artista en Suecia. La selección está formada por copias antiguas en gelatina de plata realizadas por el propio fotógrafo, circunstancia que permite contemplar las imágenes con las gradaciones, texturas y matices tonales concebidos originalmente por su autor.
La exposición se adentra en el periodo más fértil de su trayectoria, situado fundamentalmente en la década de 1930, cuando Brassaï convirtió sus recorridos nocturnos por la capital francesa en una investigación visual sobre la ciudad, sus habitantes y las huellas anónimas depositadas en sus muros. París deja de ser en estas imágenes una sucesión de monumentos reconocibles para transformarse en una materia viva, compuesta por niebla, adoquines húmedos, luces de gas, habitaciones clandestinas y figuras que parecen surgir de la oscuridad.

La exposición ‘Silver Egg’ devuelve el deseo, los sentidos y la incertidumbre al arte mediático

Del 4 de julio de 2026 al 21 de febrero de 2027, el ZKM | Centro de Arte y Medios de Karlsruhe en Alemania presenta ‘Silver Egg. The Eros of Media Art’, una exposición de gran escala que reúne cerca de cincuenta propuestas artísticas internacionales para examinar la relación entre deseo, percepción, tecnología, ecología y creación. Comisariada por Anett Holzheid, la muestra ocupa los atrios 8 y 9 de la planta baja del centro alemán y parte de una pregunta tan elemental como difícil de responder: qué impulsa todavía al ser humano a vincularse sensorialmente con el mundo y a intervenir creativamente en él.

Isabel Matoses: la fotógrafa que escribió con luz lo invisible

El Museo Lázaro Galdiano recupera, entre el 8 de julio y el 6 de septiembre, la figura de Isabel Matoses, una creadora esencial y todavía insuficientemente incorporada al relato de la fotografía española. ‘Isabel Matoses. La imagen recuperada’, comisariada por Begoña Torres, reúne por primera vez en más de cuatro décadas una parte decisiva de su producción y permite observar con nueva profundidad la obra de una artista que entendió la fotografía no como simple registro de la realidad, sino como un campo de intervención, pensamiento y revelación.

‘VOICES’ convierte el espiritismo en una genealogía feminista de la tecnología

El ΕΜΣΤ presenta en Atenas el estreno griego de ‘VOICES’, el videoensayo de Margarita Athanasiou que indaga en la canalización, la comunicación con entidades no físicas y la historia silenciada de las mujeres como cuerpos transmisores de voces, señales y presencias. La obra podrá verse hasta el 22 de noviembre de 2026 en la sala de proyecciones de la planta -1 del museo. Situada entre el ensayo audiovisual, la investigación histórica y la invocación poética, la pieza se adentra en la práctica de la canalización —entendida como comunicación con espíritus de los muertos, ángeles u otras presencias, habitualmente a través de un médium— para revelar una trama menos evidente: sus vínculos con el desarrollo de las tecnologías de la comunicación, la circulación de la información y los procesos de emancipación femenina.

MSF lleva al Thyssen la memoria herida de Sudán con ‘Esperanza a la fuerza’

Médicos Sin Fronteras presenta en el Museo Nacional Thyssen-Bornemisza ‘Esperanza a la fuerza’, una propuesta expositiva e inmersiva que acerca al público a Sudán desde un territorio poco habitual en el relato de la guerra: la cultura, la intimidad y la resistencia cotidiana de quienes han tenido que sobrevivir cuando el país se ha convertido en una geografía de desplazamiento, hambre y miedo. La muestra, abierta hasta el 15 de julio, convierte el espacio museístico en una zona de escucha. Allí, la pintura, la música, el testimonio humanitario y la realidad virtual funcionan como una misma pregunta ética: qué ocurre cuando una de las mayores crisis del mundo deja de ocupar el centro de la conversación internacional.

También te puede interesar

La endometriosis deja de ser invisible en la nueva instalación de Laia Abril

Durante más de siglo y medio, la endometriosis ha soportado una doble condena: la agresión física de una enfermedad crónica y la sospecha cultural proyectada sobre quienes intentaban explicar su sufrimiento. ‘Endometriosis. El dolor silenciado 1860-2026’, la instalación inédita de Laia Abril presentada por PHotoESPAÑA y el Museo Nacional del Romanticismo, convierte esa continuidad histórica en una acusación visual contra la indiferencia clínica, el abandono institucional y la normalización del dolor femenino. La exposición, inaugurada el 2 de junio en Madrid, podrá visitarse gratuitamente hasta el 13 de septiembre de 2026.
El título establece una cronología deliberadamente incómoda. En 1860 se realizó una de las primeras descripciones médicas de la endometriosis; en 2026, millones de personas continúan enfrentándose a demoras en el diagnóstico, tratamientos insuficientes y consultas en las que sus síntomas son relativizados. Abril transforma esos 166 años en la medida de un fracaso: el progreso científico ha sido incapaz de erradicar por completo los prejuicios desde los que se interpreta el cuerpo femenino.

¿Dime con qué te evades y te diré quién eres en la Era del Cactus?

Los homosexuales siempre han sido los grandes precursores de las tendencias que el mundo heterosexual termina copiando, asumiendo y, a menudo, exagerando. Pasó con la moda urbana: desde la implantación de la riñonera o el bolso masculino, hasta los pendientes que hoy lucen con orgullo los futbolistas millonarios y que ya forman parte del patrimonio estético de la masa en la calle y los gimnasios. Es un proceso cíclico de asimilación cultural. Pero donde este patrón de imitación y réplica se repite con una precisión milimétrica no es en las pasarelas, sino en el mercado de la evasión existencial. Lo que empieza siendo un secreto a voces, un ritual de refugio en los afters gais y los espacios clandestinos de las grandes ciudades, acaba inevitablemente convertidose en una arraigada e incontestable práctica social transversal. Atrás quedaron ya los tiempos románticos y casi analógicos de la cafeína, las benzodiacepinas, el tabaco, los porros y la cocaína, sustancias que hoy consumen más algunos padres nostálgicos en sus cenas de reencuentro, que sus propios hijos.

Brassaï descifra los signos secretos de París en el Moderna Museet

El Moderna Museet de Estocolmo reconstruye la geografía nocturna y secreta de París a través de la mirada de Brassaï, uno de los grandes renovadores de la fotografía europea del siglo XX. Abierta hasta al 4 de octubre de 2026, ‘Brassaï. Los signos secretos de París’ reúne más de 160 fotografías en blanco y negro y constituye la primera gran presentación dedicada al artista en Suecia. La selección está formada por copias antiguas en gelatina de plata realizadas por el propio fotógrafo, circunstancia que permite contemplar las imágenes con las gradaciones, texturas y matices tonales concebidos originalmente por su autor.
La exposición se adentra en el periodo más fértil de su trayectoria, situado fundamentalmente en la década de 1930, cuando Brassaï convirtió sus recorridos nocturnos por la capital francesa en una investigación visual sobre la ciudad, sus habitantes y las huellas anónimas depositadas en sus muros. París deja de ser en estas imágenes una sucesión de monumentos reconocibles para transformarse en una materia viva, compuesta por niebla, adoquines húmedos, luces de gas, habitaciones clandestinas y figuras que parecen surgir de la oscuridad.

Dolce&Gabbana construye con ‘ArteModa’ la genealogía artística de su universo creativo

La historia del arte también puede leerse sobre un cuerpo. Puede adquirir la forma de una capa, plegarse en la arquitectura de un vestido o reaparecer, varios siglos después, en la superficie minuciosa de un bordado. ‘Dolce&Gabbana ArteModa’, el volumen realizado por la firma italiana en colaboración con Rizzoli, parte de esa posibilidad: comprender la moda como un lenguaje capaz de traducir la pintura, la escultura, el mosaico y la ornamentación histórica a una materia viva, móvil y destinada a relacionarse con la anatomía.
El libro, publicado el pasado mayo, no se limita a recopilar las referencias artísticas que han acompañado la trayectoria de Domenico Dolce y Stefano Gabbana. Su propósito consiste en construir una genealogía visual de la casa, explicar de qué manera determinadas obras maestras, periodos históricos y movimientos creativos han alimentado su imaginario y revelar el procedimiento mediante el cual una imagen deja de pertenecer exclusivamente al museo para convertirse en tejido, volumen, color y gesto.

Scroll al inicio

¡Entérate de todo lo que hacemos

Regístrate en nuestro boletín semanal para recibir todas nuestras noticias