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Viaje hasta el límite

“Viaje hasta el límite”: un drama existencial con un lenguaje poderoso sube a las tablas de Madrid

Tras el sorprendente hallazgo de los escritos teatrales del autor de “Tiempo de silencio”, el Español presenta el estreno universal de este drama inédito escrito en 1953. Ernesto Arias, Lara Grube y Agus Ruiz protagonizan la obra, ambientada en la España de los años 50, en la que una familia de la alta burguesía recibe la visita de un estafador que desatará pasiones y conflictos ocultos durante años Eduardo Vasco dirige y adapta esta producción que cuenta con escenografía de Carolina González, vestuario de Lorenzo Caprile e iluminación de Miguel Ángel Camacho.
Viaje hasta el límite

El Teatro Español acoge el estreno absoluto de “Viaje hasta el límite”, una obra teatral inédita del célebre escritor Luis Martín-Santos, que podrá verse hasta al 8 de junio en la Sala Principal de dicho espacio. Con versión y dirección de Eduardo Vasco, la acción de este drama se desarrolla en un elegante chalet a las afueras de una gran ciudad, donde Pedro, un acaudalado empresario que permanece postrado en una silla de ruedas, se enfrenta a un complejo entorno familiar marcado por la frustración y el desencanto.  Es con la aparición de un intruso, un inquietante personaje que propone una arriesgada inversión, cuando la familia se desestabiliza y se desatan las ambiciones y pasiones ocultas por aquel entorno asfixiante. A través de un conflicto íntimo, la obra plantea una profunda reflexión sobre la libertad, la decadencia moral y la fragilidad de los vínculos afectivos.

Viaje hasta el límite

El teatro de Martín-Santos, desconocido hasta ahora, fue hallado durante la preparación del centenario de su nacimiento, y se compone de un pequeño corpus de obras dramáticas entre las que destaca Viaje hasta el límite, un drama con claras resonancias de Sartre, O’Neill o el propio Shakespeare; un drama existencial con un lenguaje poderoso que traslada a escena la mirada lúcida y crítica del autor de Tiempo de silencio.  El elenco está encabezado por Ernesto Arias, Lara Grube y Agus Ruiz, acompañados por Eva Trancón, Luis Espacio y las intervenciones al piano de Iván López-Ortega. El equipo artístico se completa con la escenografía de Carolina González, el vestuario de Lorenzo Caprile, la iluminación de Miguel Ángel Camacho y la música y ambiente sonoro del propio Eduardo Vasco.

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Una producción del Teatro Español en coproducción con GG Producción Escénica. Este espectáculo se incluye dentro del programa JOBO, Joven Bono Cultural, para jóvenes entre 16 y 26 años. La función accesible tendrá lugar el viernes 23 de mayo y contará con audiodescripción, bucle magnético, sonido amplificado y sobretitulado para sordos.

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Acerca del Teatro Español:https://www.teatroespanol.es/

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Viaje hasta el límite

“Pródigo” entra en Matadero Madrid en busca de la parábola de una familia narcisista y desmembrada

En la penumbra de la Nave 10 del Matadero madrileño, resucita un eco antiguo: la voz del hijo pródigo se levanta entre luces de neón y carne empaquetada. Ya no hay desierto ni higuera, ni túnica desgarrada, sino un escaparate frigorífico, un matadero simbólico donde la sangre huele a detergente y las culpas se lavan con la publicidad de las noches festivas. Eva Mir ha invocado la vieja parábola y la ha fundido con el ruido eléctrico del presente: su “Pródigo” es un espejo barroco y pop, donde el hijo que se va no busca perdón, sino una grieta en la realidad por donde escapar del amor que mata en el espacio de una familia desmembrada.. La obra podrá apreciarse hasta el 19 de octubre.

Entrevistamos a Alberto Conejero en el marco de su próximo estreno “Leonora” en Contemporánea Condeduque

Alberto Conejero nos invita a recorrer el laberinto de su creación, donde el teatro se encuentra con la poesía, la memoria histórica y la música. Entre Lorca, Leonora Carrington y los desafíos del presente, revela de qué manera la palabra se convierte en carne, la escena, se transforma en un espacio de libertad donde la ética y la sensibilidad delinean un arte que interpela, conmueve y resiste. Alberto Conejero es licenciado en Dirección de Escena y Dramaturgia por la Real Escuela Superior de Arte Dramático y doctor por la Universidad Complutense de Madrid. De su producción dramática destacan: La geometría del trigo (2019), Los días de la nieve (2017) Premio Lorca 2019 Mejor Autor, Todas las noches de un día, ganador del III Certamen de Textos Teatrales de la AAT; La piedra oscura, Premio Max al Mejor Autor Teatral 2016 y Premio Ceres al Mejor Autor 2016, entre otros. En la siguiente entrevista indagamos un poco más sobre su nuevo proyecto “Leonora” producido por Teatro del Acantilado. La obra se erige como una evocación lírica y desbordada del cosmos íntimo de la pintora, escultora y narradora surrealista Leonora Carrington. La obra se adentra con mirada febril en los años de su juventud, en ese tiempo en que la rebeldía y el delirio aún no habían sido domesticados, y rescata su tránsito por una España herida tras la Guerra Civil, donde la artista dejó que su imaginación se mezclara con los fantasmas del país y las grietas de su propio deseo.

“Leonora”, entre el delirio y la revelación: Conejero resucita el espíritu surrealista de Carrington

Del 10 al 12 de octubre, el escenario de Contemporánea Condeduque será territorio de tránsito entre la razón y el delirio. Allí se estrenará Leonora, la nueva creación de Teatro del Acantilado, dirigida por Alberto Conejero y protagonizada por Natalia Huarte: una pieza que no pretende narrar una biografía, sino encender un espíritu. El de Leonora Carrington, esa alquimista inglesa que convirtió la locura en arte y el exilio en mitología.

Entrevistamos a Tiziano Cruz en el marco del estreno en Madrid de su espectáculo “Wayqeycuna”

Tiziano Cruz llega a Contemporánea Condeduque con “Wayqeycuna”, cierre de su trilogía “Tres Maneras de Cantarle a una Montaña”. Tiziano, no se presenta como un invitado dócil al escaparate cultural, sino como quien trae consigo el barro de su infancia en el norte argentino y lo convierte en gesto poético, memoria y denuncia. Su obra es un grito contra el mercado del arte domesticado, contra el privilegio de clase que dicta quién merece ser escuchado y quién debe callar. En escena no ofrece un recuerdo nostálgico, sino un manifiesto vivo: la certeza de que el cuerpo indígena no es folclore ni ornamento, sino territorio en disputa.”Wayqeycuna” podrá apreciarse el 1 y 2 de noviembre.

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