Artes Escénicas

En la modestia de un objeto teatral —una mesa, cuatro sillas, una orquídea— se concentra el peso de una tragedia que, aún en su silencio, sigue resonando en la conciencia colectiva: la violencia extrema que parte familias, quiebra la confianza social y deja heridas que parecen no cicatrizar nunca. Eso es, en esencia, “Violencia”, la pieza que adapta y dirige Diego Garrido Sanz a partir de la película Mass (2021), de Fran Kranz, y que se podrá ver en la Sala de la Princesa del Teatro María Guerrero hasta el 28 de diciembre, bajo la producción de Garrido e Ysarca.

El Teatro Español ya ha abierto al público “Personas, lugares y cosas”, la aclamada obra de Duncan Macmillan adaptada y dirigida por Pablo Messiez, que permanecerá en la Sala Principal hasta el 11 de enero de 2026. Con una Irene Escolar en estado de vigilia permanente —encarnando a una actriz que se desmorona y se recompone entre la identidad, la adicción, la culpa y la posibilidad incierta de renacer—, el montaje se instala como uno de los grandes acontecimientos teatrales de la temporada por la hondura emocional con la que indaga en los pliegues del naufragio contemporáneo.

Hay figuras cuya intensidad atraviesa los siglos como un corte limpio. Yukio Mishima —nacido Kimitake Hiraoka en el Tokio de 1925, novelista, dramaturgo, ensayista y performer de sí mismo— es una de esas presencias que no se diluyen. Su vida y su obra forman un díptico inseparable: literatura de una precisión quirúrgica y un final calculado al milímetro, un suicidio ritual que llevó a su extremo el pacto entre estética y convicción. Medio siglo después, su sombra sigue proyectando preguntas urgentes sobre la relación entre arte, política, cuerpo y verdad. Eso hizo Yukio Mishima aquel 25 de noviembre de 1970, educado en la doctrina samurái por su abuela, cuando inició el seppuku en la sede de Ichigaya, abriéndose el abdomen con un sable como marca el rito. El auto apuñalamiento de 5 centímetros, que debía cerrar el ceremonial de un solo golpe, se frustró: su asistente falló repetidas veces y fue finalmente Hiroyasu Koga quien, con un tajo limpio, puso fin al acto que sacudiría para siempre la conciencia japonesa y la historia cultural del país.

El Ballet Español de la Comunidad de Madrid levanta esta tarde el telón con “Viaje al Amor Brujo”, una ambiciosa producción que marca el inicio oficial del Año Falla. El montaje, que reúne a 21 bailarines y 35 músicos en escena, permanecerá en programación en la Sala Roja Concha Velasco de Teatros del Canal hasta el 4 de enero.

La compañía barcelonesa El Eje, considerada una de las formaciones más dinámicas y reconocidas de la escena contemporánea catalana y residente en la Sala Beckett durante la temporada 24/25, aterriza en los Teatros del Canal de la Comunidad de Madrid el 9 de diciembre para presentar por primera vez en la capital su nueva creación: “Euforia y Desazón”.

Contemporánea Condeduque, despide el año con una programación que abarca todos los lenguajes de la escena actual: danza, teatro, circo, pantallas, pensamiento, literatura, una muestra expositiva y diversas actividades que convocan a públicos variados, tanto nacionales como internacionales.

A las 5:45 de la madrugada, cuando incluso los pájaros bostezan y las farolas dudan entre seguir alumbrando o entregarse al amanecer, un grupo de valientes —o insomnes irremediables— acudió al estreno de “Seppuku”, la nueva ceremonia de autoflagelación estética de Angélica Liddell que supuestamente homenajea en su centenario a Yukio Mishima (1925-1970), un influyente y multifacético escritor japonés, considerado uno de los autores más importantes de la posguerra . Allí estaban, los espectadores disciplinados y expectantes, dispuestos a recibir lo que la gurú de la vanguardia teatral ha decidido servir este año: una invitación al suicidio, sangre fresca, y la promesa de que el teatro todavía puede ser una liturgia… siempre y cuando uno esté dispuesto a dejar la razón en la puerta. Dos enfermeros extraen dos bolsas de sangre a Liddell , que luego es usada para escribir caracteres nipones y teñir una gasa, mientras algunos espectadores caen desmayados por esta pornografía del dolor innecesaria y amarillista que podría parecer transgresora, pero es solo una burda insinuación iconoclasta de vampiros sin gracia intelectual, rebeldes abrumados por un escenario lleno de bilis y sangre. Es realmente indignante que Temporada Alta no solo permita, sino que celebre este tipo de espectáculos cuyas entradas, por cierto, se agotaron en 5 minutos ¿Dónde están los límites legales de esta clase de montajes, que enarbolan la pornografía de la violencia, el dolor y la apología del suicidio?

Temporada Alta abre una nueva edición del “Big Bang”, el fin de semana del festival consagrado a la creación contemporánea, convertido ya en uno de los escenarios predilectos para programadores internacionales en busca de obras audaces y nuevos nombres con proyección. Desde hoy y hasta el domingo 23 de noviembre, Girona y Salt se transforman en un epicentro creativo que reunirá a más de un centenar de profesionales del sector —directores, dramaturgos, programadores, escenógrafos y gestores culturales— procedentes de todo el mundo con un único propósito: descubrir la vitalidad escénica del territorio y estimular futuras alianzas y coproducciones.

La voz desgarrada que Miguel de Cervantes imprimió en “Numancia” —ese alegato colectivo contra la imposición del poder y la mutilación de la libertad— volverá a resonar, honda y pertinaz, en los Teatros del Canal a partir del 9 de diciembre. La Comunidad de Madrid presenta una nueva y ambiciosa producción del clásico, amparada por el sello Creación Canal y dirigida por José Luis Alonso de Santos, que firma además la versión del texto. Sobre el escenario, un elenco de veinte intérpretes liderado por Arturo Querejeta y la siempre magnética Pepa Pedroche reaviva la tragedia del pueblo numantino con una energía casi ritual.

La segunda edición de Riesgo. Festival de Circo de la Comunidad de Madrid regresa a los Teatros del Canal como un territorio donde el circo contemporáneo se expande, muta y se mezcla con otros lenguajes escénicos hasta convertirse en un organismo vivo, poroso y sorprendente. Entre el 12 de febrero y el 1 de marzo, seis compañías procedentes de España, Bélgica, Francia, Suiza y Canadá desplegarán un abanico de propuestas que invitan a un público juvenil y adulto a contemplar el cuerpo como centro narrativo, como brújula sensible y como herramienta de pensamiento. El festival, impulsado por la Comunidad de Madrid, vuelve a apostar por una programación que entiende el riesgo —físico, emocional, conceptual— como motor creativo y como forma de comunicación con el espectador.