Artes Escénicas

La irrupción de “Bloody Moon” en el Centro Danza Matadero desborda la lógica de la programación de abril y abre un territorio de fricción donde el cuerpo se afirma como lenguaje en expansión. La Danish Dance Theatre, bajo la dirección de Marina Mascarell, articula en la Nave 11 un dispositivo coreográfico orientado a la intensificación: energía, sensualidad y color como vectores de una experiencia que tensiona y amplía los límites de la percepción estética. Entre el 9 y el 11 de abril, este montaje inaugura el denominado mes de la danza del espacio madrileño, una programación que culminará el 29 de abril —Día Internacional de la Danza— con Celebra26. Pero reducir “Bloody Moon” a una pieza inaugural sería un error de escala: lo que propone es una inmersión en el exceso, en la fisicidad llevada al límite, en una concepción del movimiento como acto casi ritual.

La escena queda desnuda cuando el teatro se vacía. No hay ya representación, sino residuo simbólico del hecho teatral consumado. Es precisamente en ese territorio —ese instante posterior al ensayo, donde lo escénico se repliega y emerge lo íntimo— donde Ernesto Caballero sitúa su nueva incursión en el universo de Ingmar Bergman. El resultado: una versión depurada de “Tras el ensayo”, que se estrena el 4 de abril en el Teatro Español y permanecerá en cartel hasta el 17 de mayo en la Sala Margarita Xirgu.

El Teatro Español acoge hasta el 26 de abril “Malquerida”, una relectura contemporánea del clásico de Jacinto Benavente que, más que actualizar el texto, lo somete a una tensión nueva: la de enfrentarlo a un presente que ya no disimula sus pulsiones. Bajo la dirección de Natalia Menéndez —quien firma la adaptación junto a Juan Carlos Rubio— la obra recupera su espesor trágico sin quedar atrapada en el peso de época.

En un presente donde la verdad parece haberse convertido en un territorio negociable, la creadora escénica Cris Blanco irrumpe con “Casi ninguna verdad”, un montaje que no busca respuestas cómodas, sino incomodar desde la raíz misma de lo que creemos cierto. La pieza, producida por el Centro Dramático Nacional, se estrena el 6 de marzo en el Teatro Valle-Inclán de Madrid, donde permanecerá en cartel hasta el 12 de abril, desplegando un artefacto teatral que oscila entre la lucidez crítica y el juego escénico.

En el escenario no hay conciliación posible, solo fricción. Y, sin embargo, de esa tensión nace un idioma compartido. Contemporánea Condeduque, acogerá los próximos 20 y 21 de marzo el estreno en la capital de “Ri Te” una pieza que enfrenta —y a la vez entrelaza— a la coreógrafa Marlene Monteiro Freitas y al bailaor Israel Galván. Dos cuerpos, dos tradiciones, dos pulsiones escénicas que no buscan fundirse, sino dialogar desde la diferencia.

El próximo 22 de marzo, el Teatro Circo Price de Madrid acogerá el estreno de “Entre dos orillas, una vida bailada”, una propuesta escénica de la compañía flamenca de Antonio de Verónica y Saray Cortés que recupera la figura de Miguel de Molina, el mítico artista malagueño cuya voz y presencia marcaron para siempre la historia de la copla española.

En “The Silence”, obra de autoficción presentada ahora en una nueva versión en alemán, el dramaturgo y director Falk Richter se adentra en la zona más frágil de su biografía: la memoria familiar como campo de batalla. El punto de partida es una ausencia irreversible —la muerte de su padre antes de que pudiera producirse una conversación reparadora— que activa un dispositivo escénico basado en el enfrentamiento íntimo con su madre. No hay aquí voluntad de ajuste de cuentas tardío, sino una excavación metódica en capas de silencio, trauma y negación acumuladas durante décadas.
La producción, que tuvo una primera versión estrenada en el TNS de Estrasburgo en coproducción con el MC93 de Bobigny y la Maison de la Culture d’Amiens, fue invitada al Theatertreffen 2024, consolidando su relevancia en el circuito escénico europeo. Ahora, el montaje podrá verse del 10 al 12 de abril en el Teatro Valle-Inclán, donde el público español tendrá la oportunidad de enfrentarse a este dispositivo escénico de memoria y confrontación.

La presentación de la 22ª edición de “Ellas Crean” no fue un mero acto institucional, sino una declaración de intenciones. Celebrada en el Centro Cultural Eduardo Úrculo, la elección del espacio adelantaba ya uno de los ejes narrativos de esta edición: el protagonismo del distrito de Tetuán como territorio cultural activo y permeable, capaz de dialogar de tú a tú con algunos de los grandes museos estatales de Madrid. Del 5 al 15 de marzo de 2026, el festival decano de la cultura creada por mujeres volverá a desplegar una programación concentrada, diversa y gratuita que propone una lectura transversal de la creación contemporánea femenina.

“Teatro hecho por los muertos para sostener a los vivos”. La frase no funciona aquí como un lema poético, sino como una declaración de intenciones. Con ella podría resumirse el pulso íntimo y político de “La última noche con mi hermano”, el nuevo montaje escrito y dirigido por Alfredo Sanzol, una coproducción del Centro Dramático Nacional y el Teatre Nacional de Catalunya que se presenta en Madrid hasta el 5 de abril.

La aclamada actriz mexicana Marina de Tavira ha protagonizado recientemente en Contemporánea Condeduque, Madrid, la obra “Antígona González”. Con motivo de este estreno, la intérprete reflexiona sobre el mito como herramienta política, el teatro como responsabilidad ética y la urgencia de nombrar a los desaparecidos desde la escena contemporánea. Un montaje que llega envuelto en una densidad historiográfica y simbólica que desborda lo estrictamente teatral.
No se trata solo de una obra que cruza el Atlántico, sino de una pregunta ética puesta en escena: una relectura del mito clásico desde una herida contemporánea que sigue supurando. A partir del poema escénico de la escritora mexicana Sara Uribe, la figura de Antígona reaparece despojada de solemnidad arqueológica para encarnarse en una realidad marcada por la desaparición forzada, el duelo suspendido y la obstinación de quienes se niegan a olvidar.
Esta versión no pretende actualizar el mito, sino devolverle su filo político. Antígona vuelve a ser la figura que se enfrenta al Estado cuando este decide quién merece ser llorado y quién debe permanecer enterrado en el silencio. En esa tensión entre ley y ética, la obra encuentra su núcleo y desplaza el foco hacia las mujeres que hoy, en México y en otros territorios, sostienen la búsqueda de los ausentes como un acto de resistencia cotidiana.
La puesta en escena articula un lenguaje sobrio y profundamente simbólico, donde el bordado —acción colectiva ligada históricamente al cuidado— se transforma en gesto escénico y en archivo vivo: coser nombres, insistir en el trazo, bordar contra la desaparición.
En esta entrevista, la actriz y creadora reflexiona sobre su vínculo vital con Antígona, el teatro como espacio de responsabilidad y la necesidad de crear obras que no tranquilicen, sino que incomoden. Un diálogo que no habla solo de teatro, sino de por qué seguir haciendo arte cuando el mundo duele.