Urban Beat – Cultura
Como casi todo lo que escribe DELACUEVA, “Partido en Dos” es un cuento disfrazado de canción. Un relato breve donde el deseo y la nostalgia se balancean buscando el equilibrio envuelto en una melodía extremadamente pegajosa. Envuelta en melancolía, el zaragozano DELACUEVA vuelve a regalar una historia para escuchar con los ojos cerrados y el corazón a la mitad.
“Cleopatra Enamorada”, es una producción teatral que narra la apasionante historia de amor entre Cleopatra y Marco Antonio, escrita por el dramaturgo extremeño Florián Recio. Ni prostituta de Egipto ni serpiente del Nilo, la ‘nueva’ Cleopatra que estos días se representa en Mérida es profundamente humana. Una mujer que sufre por sus amores, por sus hijos y por devolver la grandeza a su tierra, y que en muchos momentos se siente sola. El Teatro Romano de Mérida albergará hasta 27 de julio, dentro de la programación de la 71ª edición del Festival de Mérida, el musical Cleopatra Enamorada, protagonizada por Natalia Millán y Alex O‘Dogherty que encabezan un elenco formado por Paco Morales, Iván Clemente, Habana Rubio, Beatriz Ros y Virginia Muñoz.
Carmen Martín Gaite (1925-2000) no solo es una figura indispensable de la literatura española del siglo XX por su virtuosismo narrativo o por su capacidad para desentrañar la psicología femenina en un contexto opresivo, sino también por el fino entramado político y existencial que atraviesa su obra. Escritora escurridiza ante los estereotipos, crítica con su tiempo y profundamente lúcida, su narrativa se erige como una cartografía del desencanto, la soledad y el confinamiento simbólico de la mujer durante el franquismo, pero también como un laboratorio íntimo de resistencia, introspección y utopía.
El legado de Carmen Martín Gaite en el 25 aniversario de su muerte Leer más »
La muerte de Ozzy Osbourne marca el final de una era, pero también clausura un mito que supo alimentar con el exceso, la locura, la fragilidad y una música que, como él mismo, parecía escapada del averno. Su trayectoria no puede reducirse al cliché del “Príncipe de las Tinieblas”, ni a la postal del rockero trastornado que mordía murciélagos en el escenario. John Michael Osbourne fue una figura contradictoria, a ratos monstruosa, a ratos conmovedoramente humana, cuya vida y obra reflejan las tensiones emocionales, sociales y psicológicas de una generación criada entre la desilusión postindustrial y los fantasmas de la guerra fría. John Michael Osbourne, conocido como Ozzy, nació en Birmingham el 3 de diciembre de 1948. Desde muy joven enfrentó dificultades: creció en un hogar humilde junto a cinco hermanos, sufrió bullying en la escuela y abandonó los estudios a los quince años para unirse al mundo laboral. Incluso pasó un breve periodo en prisión, experiencia que moldeó su carácter y fue tema recurrente en su música.
Suma Flamenca Joven se nutre de nuevos retoños del cante jondo, pero ya con una sobrada experiencia asentada en una formación sobresaliente y forjada en horas y horas de ensayos e incontables actuaciones en directo. Así vienen los artistas que protagonizan las cuatro galas de Suma Flamenca Joven, dentro del Festival Suma Flamenca, una muestra ya consolidada después de las cuatro ediciones pasadas que en esta quinta edición, congrega a incipientes concertistas de guitarra flamenca o de otros instrumentos, el cante y el baile en la Sala Verde de Teatros del Canal del 25 al 28 de septiembre.
Cien años después de la primera publicación de “Mi lucha” (Mein Kampf), entendemos que dicha obra, es un extenso panfleto ideológico escrito por Adolf Hitler durante su encarcelamiento en la prisión de Landsberg en 1924, que no puede leerse —ni debe jamás leerse— como una obra de valor literario en el sentido tradicional. No posee las virtudes estéticas del ensayo político ni las herramientas narrativas del relato autobiográfico. Sin embargo, por su impacto histórico, por la cruda expresión de una mente obsesionada con el resentimiento, y por su función como manifiesto precursor de uno de los regímenes más genocidas del siglo XX, constituye un documento de estudio ineludible desde la crítica literaria, psicológica e ideológica. Desmenuzarlo supone entrar en un terreno sombrío, donde el lenguaje se convierte en arma y el pensamiento en vehículo del fanatismo. La primera edición, estimada en diez mil ejemplares, fue publicada el 18 de julio de 1925 por la editorial Franz Eher Nachfolger, perteneciente al Partido Nacionalsocialista. “Mi lucha” fue recibido con férreas críticas por su mediocre escritura, repleta de faltas gramaticales, y por su estilo caótico e incoherente, saltando de una idea a otra sin desarrollar ninguna.
Cien años de “Mi lucha” de Adolf Hitler: anatomía del odio envuelto en ideología Leer más »
La escena teatral contemporánea liderada por el Festival de Aviñon; en sus momentos más valientes, se atreve no solo a representar el mundo, sino a reabrir sus heridas. El homenaje escénico a Gisèle Pelicot, ideado por el suizo Milo Rau y la dramaturga francesa Servane Dècle, es uno de esos momentos raros y necesarios en los que el arte no se repliega en la estética ni en la metáfora, sino que se lanza de lleno al campo de batalla de la memoria, la justicia y el cuerpo violado. Representado precisamente en la ciudad donde se juzgó —y se desoyó— a sus violadores, el montaje no es una mera evocación documental, sino una verdadera revuelta emocional y política. Es teatro de la urgencia, de la piel quemada, de la palabra alzada y de las mujeres valientes que le enseñan, de pie, la cara a sus violadores. La obra tiene el visto bueno de la propia Gisèle Pelicot, con la que hablaron a través de sus abogados, y aunque ella no estará presente en persona ha pedido seguir la representación a través de internet. Tras Aviñón, la producción girará por el mundo, con paradas ya agendadas en lugares como Lisboa, Varsovia o Belgrado, y esperan que también pueda viajar a Barcelona.
El festival de Aviñón homenajea a Gisèle Pelicot con la obra “Le Procès Pelicot” Leer más »
Juan Carlos Trinchet presenta este relato que constituye a su vez una pieza profundamente lírica, fragmentaria y abismal, escrita en un tono de delirio descontrolado que transita entre la confesión filosófica, el manifiesto estético y la elegía obscena de un yo fracturado. Nos encontramos ante una narrativa sin argumento convencional, cuya lógica no es causal sino poética, rizomática, casi psicoanalítica sin asideros de un Freud reconocible en los esquemas del suicidio necesario. Lo que el autor construye es un monólogo interior hipertrofiado que emula el flujo de conciencia en estado alterado: un sujeto que se descompone en el lenguaje mientras intenta aferrarse a alguna forma de revelación existecnial nunca antes vista.
Hay obras que no se contemplan: se atraviesan. “El cuarto de atrás” parte de la novela que escribió en 1978 la escritora, ensayista, pensadora y traductora Carmen Martín Gaite, una de las grandes plumas de las letras hispánicas del siglo XX, cuyo centenario se conmemora este año. La obra “El cuarto de atrás” está protagonizada por Emma Suárez, y ha sido adaptada a escena por María Folguera y dirigida con brillantez por Rakel Camacho. “El cuarto de atrás” no se representa tanto como se habita, como si el teatro entero se convirtiera en un cuarto simbólico: un escondite mental, una caja de resonancia para la memoria femenina, la censura, la escritura y el deseo de recordar sin miedo. Basada en la novela homónima de Carmen Martín Gaite, la propuesta escénica logra preservar ese tono onírico, confesional, fragmentario y, al mismo tiempo, lúcido que caracterizó a la escritora salmantina. Lo más admirable es que lo hace sin aferrarse al argumento ni subrayar los referentes históricos. En lugar de recrear el contexto franquista de forma didáctica, lo disuelve en un ambiente de irrealidad, donde la dictadura es una bruma constante y no un decorado explícito. “El cuarto de atrás” está en pleno apogeo escénico en el teatro Goya hasta el 27 de julio en el marco del festival Grec de Barcelona.
Martirio no es simplemente una cantante. Es un género en sí misma, una categoría al margen, un gesto escénico sostenido entre la tradición más jonda y la ironía más inteligente. Con su peineta, sus icónicas gafas oscuras y una voz que abraza la copla, el jazz, el bolero o el flamenco con la misma naturalidad con la que una madre canta a su hijo, Martirio ha reescrito el concepto de lo andaluz en la música española contemporánea. Su verdadero nombre es María Isabel Quiñones Gutiérrez, nació en Huelva en 1954, pero desde los años ochenta no ha dejado de romper moldes, cuestionar clichés y dignificar los sonidos populares. Basado en el tango y en las raíces argentino-españolas que tanto tienen que ver con la copla, Martirio presenta su nuevo trabajo “Al sur del tango” que fusiona ambos modos de hacer canción. Puerto a puerto se han ido fraguando con muchas connotaciones comunes. La copla es la mujer, el tango, su marido. Sus compositores oían estas músicas a ambos lados del Atlántico, se oían en las casas de uno y otro lado y se emparentaban amores, exilios y distancia. El espectáculo podrá apreciarse el próximo 3 de agosto en Condeduque Madrid, dentro de la programación de los “Veranos de la Villa”.
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