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Pau Aran PORTADA

El solo de danza de Pau Aran que extrapola los vínculos del pasado: Un cadavre exquis II.

Un cadavre exquis II, a través de la danza de Pau Aran, es un trabajo dedicado al encuentro, al vínculo directo con los ancestros y al agradecimiento, de manera sutil, tímida y un tanto abstracta.

Tres miradas, tres momentos de vida (pasado, presente y futuro) marcan nuestras historias de forma implacable y para siempre. Las ausencias que nos acompañan y que nos rodean siguen informando nuestro cotidiano a pesar de no existir físicamente por causa del tiempo o el espacio. A veces, dependiendo de las circunstancias, pueden llegar a ser tan inquietantes y atrayentes como lo son los fantasmas. Estos, como metáfora, sugieren a la vez ausencia y presencia, paradójicamente. Un fantasma es una especie de fuerza, una entidad que puede volver.

Pau Aran. Un cadavre exquis II

El título del solo hace referencia a un método lúdico desarrollado por los surrealistas que da cabida al azar en la creación y desafía así el poder de interpretación del espectador/a. A Pau le fascina el arte surrealista y cómo este interactúa con lo inconsciente y lo no dicho. Además, encuentra particularmente estimulante e inspiradora la relación entre la artesanía y la danza; ambas utilizan la materia, el cuerpo y la repetición de forma similar. Pero sin duda, el punto en común más importante para él es la transmisión de información a través del tiempo: lo transgeneracional que yace, latente, en ambas.

Pau Aran. Un cadavre exquis II

Inspirada por la artesanía del movimiento y el gesto en la danza, esta pieza explora la necesidad de reconocer los lugares, seres y experiencias con las que interactuamos hasta este mismo día como origen de nuestra esencia. La identidad pide paso. Necesita agradecer y ser tomada en consideración. Las imágenes se suceden, los personajes ocurren. Han venido todxs. Visibles o no, tangibles o no.

pau aran; bailarín, coreógrafo y docente.

Nacido en las costas mediterráneas catalanas, Pau comenzó su carrera profesional a través del baile de salón y el jazz moderno, donde su interés se expandió hacia múltiples formas de movimiento expresivo.

Durante sus estudios en el Conservatorio Profesional de Danza ‘Mariemma’ de Madrid, Pau fue excepcionalmente invitado a asistir a la Universidad de las Artes Folkwang de Essen, Alemania. Esto le llevó a su formación más significativa hasta la fecha, en Wuppertal y bajo la dirección de Pina Bausch. Pau ha bailado en más de veinticinco producciones de Pina Bausch, y continúa bailando con el internacionalmente reconocido Tanztheater Wuppertal – Pina Bausch como artista invitado.

Pau Aran. Un cadavre exquis II

Como artista independiente desde 2013, Pau se dedica a desarrollar su lenguaje de movimiento personal a través de proyectos colectivos multidisciplinarios en todo el mundo, y realizando talleres creativos con y para diversos artistas y comunidades.

Pau Aran.

Fotografías de Alejo Puerto.

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Urbanbeat Julio 2024
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“Pródigo” entra en Matadero Madrid en busca de la parábola de una familia narcisista y desmembrada

En la penumbra de la Nave 10 del Matadero madrileño, resucita un eco antiguo: la voz del hijo pródigo se levanta entre luces de neón y carne empaquetada. Ya no hay desierto ni higuera, ni túnica desgarrada, sino un escaparate frigorífico, un matadero simbólico donde la sangre huele a detergente y las culpas se lavan con la publicidad de las noches festivas. Eva Mir ha invocado la vieja parábola y la ha fundido con el ruido eléctrico del presente: su “Pródigo” es un espejo barroco y pop, donde el hijo que se va no busca perdón, sino una grieta en la realidad por donde escapar del amor que mata en el espacio de una familia desmembrada.. La obra podrá apreciarse hasta el 19 de octubre.

Entrevistamos a Alberto Conejero en el marco de su próximo estreno “Leonora” en Contemporánea Condeduque

Alberto Conejero nos invita a recorrer el laberinto de su creación, donde el teatro se encuentra con la poesía, la memoria histórica y la música. Entre Lorca, Leonora Carrington y los desafíos del presente, revela de qué manera la palabra se convierte en carne, la escena, se transforma en un espacio de libertad donde la ética y la sensibilidad delinean un arte que interpela, conmueve y resiste. Alberto Conejero es licenciado en Dirección de Escena y Dramaturgia por la Real Escuela Superior de Arte Dramático y doctor por la Universidad Complutense de Madrid. De su producción dramática destacan: La geometría del trigo (2019), Los días de la nieve (2017) Premio Lorca 2019 Mejor Autor, Todas las noches de un día, ganador del III Certamen de Textos Teatrales de la AAT; La piedra oscura, Premio Max al Mejor Autor Teatral 2016 y Premio Ceres al Mejor Autor 2016, entre otros. En la siguiente entrevista indagamos un poco más sobre su nuevo proyecto “Leonora” producido por Teatro del Acantilado. La obra se erige como una evocación lírica y desbordada del cosmos íntimo de la pintora, escultora y narradora surrealista Leonora Carrington. La obra se adentra con mirada febril en los años de su juventud, en ese tiempo en que la rebeldía y el delirio aún no habían sido domesticados, y rescata su tránsito por una España herida tras la Guerra Civil, donde la artista dejó que su imaginación se mezclara con los fantasmas del país y las grietas de su propio deseo.

“Leonora”, entre el delirio y la revelación: Conejero resucita el espíritu surrealista de Carrington

Del 10 al 12 de octubre, el escenario de Contemporánea Condeduque será territorio de tránsito entre la razón y el delirio. Allí se estrenará Leonora, la nueva creación de Teatro del Acantilado, dirigida por Alberto Conejero y protagonizada por Natalia Huarte: una pieza que no pretende narrar una biografía, sino encender un espíritu. El de Leonora Carrington, esa alquimista inglesa que convirtió la locura en arte y el exilio en mitología.

Entrevistamos a Tiziano Cruz en el marco del estreno en Madrid de su espectáculo “Wayqeycuna”

Tiziano Cruz llega a Contemporánea Condeduque con “Wayqeycuna”, cierre de su trilogía “Tres Maneras de Cantarle a una Montaña”. Tiziano, no se presenta como un invitado dócil al escaparate cultural, sino como quien trae consigo el barro de su infancia en el norte argentino y lo convierte en gesto poético, memoria y denuncia. Su obra es un grito contra el mercado del arte domesticado, contra el privilegio de clase que dicta quién merece ser escuchado y quién debe callar. En escena no ofrece un recuerdo nostálgico, sino un manifiesto vivo: la certeza de que el cuerpo indígena no es folclore ni ornamento, sino territorio en disputa.”Wayqeycuna” podrá apreciarse el 1 y 2 de noviembre.

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