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Urvanity

Urvanity Art, el festival de arte callejero que explora las creaciones más originales en el panorama urbano.

Urbanity Art Fair celebra su sexta edición del 24 al 27 de febrero en la Sede del COAM en Madrid. Un espacio que integra diferentes códigos estéticos y encontrar nuevas tendencias en el mundo del arte.

Una feria donde encontrar artistas emergentes, de media carrera y entre ellos algunos grandes nombres de la escena contemporánea internacional. Después de cinco ediciones, la feria ha madurado y evolucionado y, en febrero de 2022 abrirá sus puertas para seguir postulándose como una cita imprescindible en la semana del arte madrileña. Más de una treintena de galerías nacionales e internacionales estarán presentes para reflejar, como cada año, las corrientes artísticas actuales y seguir manteniendo la frescura e innovación que han sido parte de su ADN desde sus inicios.

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MEETING BOWLS X IKEA.

Urvanity, Ikea y el colectivo artístico mmmm… se han unido con un fin común: celebrar el 25 aniversario de la llega de Ikea a España. Y lo han hecho a través de un objetivo planteado desde la empresa de diseño y decoración de mobiliario sueca: debatir sobre el futuro. ¿Cómo serán los hogares del mañana? ¿Cómo y dónde viviremos? ¿Cómo serán los parques? ¿Cómo nos desplazaremos? ¿Qué comeremos?… Los protagonistas para esta acción no podían ser otros que los niños y adolescentes que vivirán en ese futuro a quienes decidieron lanzar esta consulta a través de la empresa de estudios de mercado y demoscopia Sigma Dos.

Entonces, ¿cómo podían generar un entorno de debate en el espacio público donde aglutinar, dentro de las medidas y restricciones impuestas por la crisis sanitaria, a estos niños y adolescentes que debían perfilar y dar forma a lo que esperamos del futuro?

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En esta ocasión, y por primera vez, el colectivo de mmmm… diseñó estas cápsulas semiesféricas en su versión mini, presentando un Meeting Bowl grande y dos pequeños donde niños y adolescentes se sentaron a debatir sobre la ciudad del futuro creando un espacio ideal donde su imaginario no conocía límites. Conceptualizados como generadores de diálogo e intercambio de quimeras, sirvieron para reunir ideas que más adelante IKEA compartió con las administraciones públicas para poder darles vida en un futuro. 

CHANGE IS A TEAM SPORT X ADIDAS.

Un proyecto de residencias con artistas nacionales e internacionales con el objetivo dar voz a los colectivos sociales y culturales de una comunidad a través del arte y que ha dado como resultado final una pieza documental de treinta minutos donde se muestra toda la experiencia vivida durante estos meses.

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En la ciudad de Barcelona, nos encontramos con el epicentro de toda la actividad, la Nau Bostik, dentro del barrio de la Sagrera. En donde los artistas desarrollaron sus residencias en relación con los colectivos sociales del territorio inmediato y que pese a la situación vivida se adaptó y acabó demostrándonos a todos, que el arte es un gran motor de transformación vital.

Trabajo artístico, procesos colectivos, diálogos, intervenciones murales y una gran exposición final. Bienvenidos a Change is a Team Sport.

SILENCE SHAPES DE FILIPPO MINELLI X CALEIDO.

El pasado mes de noviembre Minelli viajó a Madrid para realizar la última serie de fotografías de su proyecto Silence Shapes en el espacio en construcción de Caleido. Junto a él recorrieron las entrañas de lo que será uno de los mayores proyectos inmobiliarios de la ciudad: desde los inmensos parkings, a las plazas y calles que van cobrando forma, para fotografiar junto a Minelli sus ‘bombas’ de humo de colores. El espacio cobró vida, y lo hizo a todo color. El humo subió por las paredes de hormigón, escaló andamios y se coló bajo la piel de Caleido.

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El proyecto es parte del programa de acciones artísticas e intervenciones permanentes en el espacio, comisariado por Urvanity Projects, que convertirán a Caleido en el destino ideal del arte público en Madrid.

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Copenhagen Contemporary en Dinamarca presenta la mayor exposición individual dedicada hasta ahora en Escandinavia a Camille Henrot, una de las creadoras esenciales para comprender las tensiones emocionales, políticas y tecnológicas del presente. Inaugurada el 5 de junio, ‘Paper Planes’ podrá apreciarse hasta el 31 de diciembre de 2026 y reúne películas, pinturas, dibujos, esculturas e instalaciones que recorren los últimos diez años de su producción. Considerado el centro internacional de arte contemporáneo de Copenhague, Copenhagen Contemporary articula su programación mediante el diálogo entre figuras consolidadas y nuevos talentos. La institución ocupa el antiguo taller de soldadura de Burmeister & Wain, conocido como B&W: un imponente complejo industrial de 7000 metros cuadrados cuyas naves permiten acoger aquellos lenguajes que difícilmente encuentran acomodo en los espacios expositivos convencionales. Instalaciones inmersivas, performances, dispositivos tecnológicos y obras audiovisuales monumentales adquieren allí una escala física capaz de modificar la relación entre el arte, la arquitectura y el espectador. En ese escenario, la diversidad formal de Camille Henrot encuentra una amplitud particularmente coherente.

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Una mujer sostiene la mirada de su perro. Entre los dos existe una concentración que desborda el adiestramiento y transforma la obediencia en coreografía, el gesto aprendido en lenguaje afectivo. Esa relación ocupa el centro de ‘Everybody Loves to Cha Cha Cha’, la exposición con la que Bego Antón se incorpora a la sección oficial de la 29.ª edición de PHotoESPAÑA, presentada en Casa de América hasta el 30 de septiembre.

La endometriosis deja de ser invisible en la nueva instalación de Laia Abril

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El título establece una cronología deliberadamente incómoda. En 1860 se realizó una de las primeras descripciones médicas de la endometriosis; en 2026, millones de personas continúan enfrentándose a demoras en el diagnóstico, tratamientos insuficientes y consultas en las que sus síntomas son relativizados. Abril transforma esos 166 años en la medida de un fracaso: el progreso científico ha sido incapaz de erradicar por completo los prejuicios desde los que se interpreta el cuerpo femenino.

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La exposición se adentra en el periodo más fértil de su trayectoria, situado fundamentalmente en la década de 1930, cuando Brassaï convirtió sus recorridos nocturnos por la capital francesa en una investigación visual sobre la ciudad, sus habitantes y las huellas anónimas depositadas en sus muros. París deja de ser en estas imágenes una sucesión de monumentos reconocibles para transformarse en una materia viva, compuesta por niebla, adoquines húmedos, luces de gas, habitaciones clandestinas y figuras que parecen surgir de la oscuridad.

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