Cine y televisión

La muerte de Robert Redford marca el final de una era. No solo desaparece un actor, sino también un mito cultural que supo transformar el cine estadounidense con un estilo propio, a medio camino entre el clasicismo y la modernidad. Redford fue un intérprete magnético, un director sensible y un impulsor del cine independiente a través de su legado más duradero: el festival de Sundance. Su vida y obra se convierten ahora en un espejo donde se refleja la historia del cine de los últimos sesenta años.

La ceremonia de los Emmy 2025 no fue un simple desfile de estatuillas y aplausos ensayados, sino un relato en directo de cómo la televisión todavía sabe sorprender. Entre discursos que temblaban de emoción, récords demolidos y silencios cargados de política, la noche se convirtió en un caleidoscopio de momentos que ya forman parte de la memoria reciente de la televisión contemporánea.

Cineteca Madrid, epicentro de las miradas inquietas y heterodoxas de la ciudad, arranca temporada con una propuesta que se atreve a mirar más allá de lo evidente. La nueva programación de septiembre no se limita a proyectar películas: invita a explorar el misterio, a rozar lo inexplicable y a reconocer en la pantalla los destellos de lo trascendente. Entre espiritualidades colectivas, visiones del apocalipsis y fábulas que desarman el orden establecido, la cartelera de este mes es un viaje intenso, crítico y profundamente sensorial. Pero no se trata solo de cine: Cineteca amplía su universo con experiencias que diluyen fronteras entre artes, disciplinas y percepciones. Por un lado, la colaboración con el festival L.E.V. Matadero convierte la Sala Plató en un ecosistema digital mutable con Drift Lattice, instalación inmersiva del artista Theo Triantafyllidis. Por otro, el estreno de Linterna, ciclo mensual comandado por Brays Efe y Miguel Agnes, abre un espacio de conversación fresca y lúdica para repensar el canon cinematográfico.

Mientras María Patillo, Belén Esteban y Kiko Matamoros se acomodan en su “pisito” con una lealtad sin fisuras de la mano del genial David Valldeperas en el canal Canal Quickie , Lidia Lozano se pira Telecinco como una traidora televisiva, nunca antes vista. La supuesta prófuga antes expuesta, después de tanto llorar por gusto, ha pensado que es más productivo lanzar sus lágrimas en el cheque jugoso de la “cadena de enfrente” que la denostó, en su momento, por pertenecer a Sálvame.

La Mostra de Venecia, este año, pródiga en obras relacionadas con un mundo en colapso, ha visto desfilar a Jude Law con un personaje que resulta, por sí solo, una declaración política. El actor británico se sumerge en la piel de Vladímir Vladírovich Putin en “El mago del Kremlin”, película dirigida por Olivier Assayas e inspirada en la novela homónima de Giuliano da Empoli, una adaptación fiel, con guion de Emmanuel Carrère. La cinta, que entra en competición oficial del festival de Venecia, se presenta como un ejercicio narrativo que oscila entre la fábula política y la parábola contemporánea sobre el poder, sus artificios y la maquinaria que lo convierte en un espectáculo desgarrador por su fehaciente contemporaneidad nefasta.

El cine español acaba de perder a una de sus figuras más singulares: Eusebio Poncela. Actor de silencios densos y de miradas que parecían horadar el aire, fue durante décadas un rostro irrepetible dentro de la pantalla. No se le puede encasillar en un registro único porque transitó, con una naturalidad casi violenta, de lo íntimo a lo colectivo, del teatro de cámara al cine que buscaba ser ruptura y manifiesto. Ahora, con su partida, queda la sensación de que desaparece algo más que un intérprete: se apaga un último divo, un artista que encarnaba un magnetismo hoy casi extinto en una industria dominada por la inmediatez y el algoritmo. Urban Beat presenta homenajea el talento inconmensurable de Eusebio Poncela.

Madrid se prepara para acoger, del 10 al 21 de septiembre de 2025, la 18ª edición del Festival Proyector, que se consolida como una de las citas imprescindibles del calendario cultural de la capital. Durante casi dos semanas, más de treinta sedes albergarán alrededor de un centenar de propuestas de cine expandido, instalaciones, videoarte, performances y piezas inéditas que verán la luz por primera vez.

En la madrugada del 24 de agosto de 2025, la ciudad de Madrid, su ciudad natal, recibió el susurro más doloroso: el de la partida definitiva de Verónica Echegui, quien a los 42 años cerró los ojos para siempre tras una enfermedad que la mantuvo ingresada en el Hospital 12 de Octubre. La noticia se convirtió en un eco que reverberó por todas las salas oscuras del cine español.

La historia de Alain Delon y Romy Schneider es, en apariencia, una tragedia íntima: dos estrellas brillantes, un amor arrebatado, una ruptura desgarradora, un luto que nunca termina. Pero si se observa más de cerca, su historia también es símbolo de una revolución cultural y cinematográfica.
Entre los años 50 y los 70, Europa —y especialmente Francia— vivió un periodo de intensos cambios sociales, políticos y artísticos. Los jóvenes rechazaban la autoridad; las mujeres luchaban por liberarse de los roles tradicionales; el mundo posbélico exigía nuevas formas de narrarse a sí mismo. En ese contexto, el cine cambió radicalmente, y la relación entre Delon y Schneider quedó profundamente entrelazada con este nuevo lenguaje visual y emocional.

Eduardo Casanova desembarca en el Festival de Locarno de Suiza con “Silencio”, su nueva miniserie queer, presentada como una tragicomedia oscura que enlaza vampirismo, lesbianismo, la peste bubónica y el SIDA. El joven realizador, que intenta —con más aspiraciones que certezas— erigirse como promesa del “cine español subvencionado”, ha acudido a exhibir un proyecto que presume de “aplastante originalidad” y que se autoproclama rupturista por reunir en un mismo eje narrativo elementos tan dispares como vampiras, enfermedades pandémicas y tabúes sexuales. El resultado, sin embargo, es un collage farragoso, carente de humor y de afinación, saturado de clichés, que pese a evocar con fuerza las tendencias escatológicas de su filmografía previa, no consigue transmitir autenticidad. Se hunde en un aquelarre desarticulado de imágenes inquietantes sostenidas únicamente por un elenco femenino en estado de gracia: María León, Ana Polvorosa y Mariola Fuentes. El empeño de Eduardo Casanova por imprimir a este entramado visual la poética del sufrimiento femenino invisibilizado se queda a medio camino entre una serie B mediocre y un producto televisivo plano y previsible, sin la solidez que aportan los clásicos, aunque con un envoltorio deslumbrante gracias al trabajo de Óscar del Monte, especialista en maquillaje y efectos con quien ya Casanova colaboró en “Pieles”.