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‘Medea’ irrumpe en Teatros del Canal con Declan Donnellan y una experiencia escénica que sitúa al público dentro del conflicto

La tragedia clásica vuelve a tensionar el presente en Teatros del Canal. La Sala Verde del recinto madrileño acogerá del 30 de abril al 3 de mayo una nueva versión de “Medea”, de Eurípides, dirigida por Declan Donnellan. El montaje, producido por Cheek by Jowl junto al Ivan Vazov National Theatre, supone su estreno absoluto en España y se representará en búlgaro con sobretítulos en castellano.

La llegada de Donnellan confirma una relación sostenida con el espacio madrileño, donde ya presentó sus lecturas de Edipo y Hamlet. En esta ocasión, el creador británico radicaliza la experiencia escénica y desplaza al espectador desde la butaca hacia el centro físico del drama: el público permanece de pie sobre el escenario, compartiendo espacio con los intérpretes durante toda la función. La distancia habitual entre platea y representación desaparece para convertir la tragedia en una vivencia inmediata.

Lejos de las aproximaciones que convierten a Medea en una figura monstruosa, esta propuesta examina el trayecto emocional e intelectual de una mujer enfrentada a una situación que percibe como insoportable. La humillación aparece aquí como una forma de devastación íntima, y la decisión extrema de la protagonista surge presentada no como arrebato irracional, sino como la culminación de un razonamiento llevado hasta sus límites.

Desde esa perspectiva, el clásico griego dialoga con el presente. La puesta en escena introduce preguntas sobre los confines de la razón en una época atravesada por la lógica de la eficacia, la productividad y el cálculo. La obra interpela al espectador acerca de la necesidad de preservar la sensatez, la empatía y la dimensión humana frente a los excesos de una racionalidad convertida en mecanismo frío.

Con una duración de una hora, sin intermedio, y recomendada para mayores de 16 años, la función cuenta con un elenco procedente del Ivan Vazov National Theatre. El diseño escénico corre a cargo de Nick Ormerod, colaborador histórico de Donnellan y pieza esencial en la identidad visual de la compañía.

Fundada en 1981 por Donnellan y Ormerod, Cheek by Jowl se ha consolidado como una de las estructuras más influyentes del teatro europeo contemporáneo. Su prestigio internacional se sustenta en una reinterpretación audaz de los grandes textos dramáticos y en un lenguaje escénico de depuración extrema, donde la actuación se convierte en el principal dispositivo expresivo.

La compañía ha desarrollado montajes en inglés, francés y ruso, además de colaboraciones con instituciones extranjeras como el Centre National du Théâtre o el Pushkin Theatre de Moscú. Esa vocación transnacional ha reforzado su posición como referencia del teatro británico actual y como laboratorio permanente de nuevas lecturas sobre los clásicos.

Declan Donnellan, nacido en 1953, es también una figura central en la reflexión sobre el oficio interpretativo. Su libro The Actor and the Target ha influido en generaciones de actores gracias a una visión precisa del vínculo entre impulso, acción y escucha escénica. Su trabajo se caracteriza por puestas en escena desnudas, donde la imaginación del público y la exactitud del intérprete sustituyen el aparato ornamental.

Desde William Shakespeare y Molière hasta autores modernos como Alfred Jarry o Tony Kushner, el repertorio de Cheek by Jowl ha demostrado que los textos sobreviven cuando alguien se atreve a interrogarlos de nuevo. Esa parece ser también la apuesta de esta Medea: rescatar un mito antiguo para exponer las fracturas morales del presente.

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Fotos cortesía de Stefan Zdraveski

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Urbanbeat Julio 2024
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«Una noche sin luna» reactiva la memoria de Federico García Lorca desde el conflicto contemporáneo

En el mapa escénico contemporáneo, donde la memoria cultural se somete a revisiones constantes, «Una noche sin luna» emerge como un dispositivo teatral que no se limita a evocar el pasado, sino que lo activa desde una sensibilidad plenamente contemporánea. La pieza propone un acercamiento a la figura de Federico García Lorca desde un prisma que desborda lo biográfico para instalarse en un territorio más complejo: el de la intersección entre su legado y las tensiones del presente. No se trata, por tanto, de una reconstrucción arqueológica, sino de un ejercicio de relectura que convierte la obra del poeta en un espejo desde el que observar nuestras propias fracturas.
El montaje, que podrá verse entre el 30 de abril y el 31 de mayo en la Sala Principal del Teatro Español, articula su dramaturgia a partir de materiales documentales —entrevistas, conferencias y charlas del propio Lorca— entrelazados con fragmentos de su producción literaria. Este tejido híbrido permite que sea el propio autor quien, en primera persona, reconstruya su universo vital. La escritura de Juan Diego Botto opta por una voz que combina ironía, emoción y lucidez, evitando la solemnidad para situar al espectador en un diálogo directo con el pensamiento lorquiano.

«Humo» de Rafaela Carrasco convierte el legado obrero femenino en tensión escénica

El flamenco no recuerda: reaparece. Y en ese regreso —que no es arqueología, sino fricción con el presente— es donde «Humo» la nueva pieza de Rafaela Carrasco, encuentra su lugar. El Centro Danza Matadero acoge su estreno absoluto hasta el 19 de abril, dentro de una programación que convierte el mes en un campo de intensidad coreográfica y que culminará el 29 con el Día Internacional de la Danza. Pero lo que aquí se pone en juego no es una efeméride: es una memoria que se niega a quedarse quieta.

«Utopía en llamas» visibiliza la trata de mujeres y niñas, apuntando a los hombres que la sostienen

En un presente que ha aprendido a convivir con la violencia mientras la desplaza fuera de campo,«Utopía en llamas» irrumpe como un dispositivo escénico que obliga a mirar allí donde la mirada suele retirarse. Dirigida por Concha Delgado y Sandra Ferrús, con dramaturgia de Alda Lozano, la pieza se presenta en el Centro Dramático Nacional como una cartografía fragmentada —un collage— de la tragedia contemporánea de las mujeres atrapadas en redes de explotación sexual. El montaje puede verse hasta al 26 de abril en el Teatro María Guerrero, convertido aquí en un espacio de confrontación más que de representación.

El waacking se redefine en Madrid con STUCK, la nueva pieza de Mounia Nassangar

La programación de Teatros del Canal incorpora una de esas piezas que no se limitan a ocupar un escenario, sino que lo tensionan. STUCK, primera creación coreográfica de la artista francesa Mounia Nassangar, llega a la Sala Negra del 15 al 18 de abril como un dispositivo escénico que desplaza el centro de gravedad de la palabra al cuerpo, allí donde el lenguaje verbal ya no alcanza.

“Ese ruido es un animal” propone una historia generacional atravesada por la música, la pandemia y el encierro

El teatro, cuando decide interrogar su propia función, deja de ser un espacio de representación para convertirse en un dispositivo de intensidad que trasciende el tiempo y el espacio porque se intuye su propia significancia cultural. Con Ese ruido es un animal, María Velasco escribe y dirige una nueva producción de Cuarta Pared que, tras aplazar su estreno inicial, podrá verse finalmente del 7 al 23 de mayo. Lejos de limitarse a una propuesta escénica convencional, la pieza articula una hipótesis que atraviesa todo el montaje: que la vida, en su forma más radical, necesita una banda sonora capaz de intensificar la experiencia, de activar el cuerpo y de devolverle una conciencia que el entorno digital tiende a diluir.

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En un tiempo escénico dominado por la saturación de signos y la hiperactividad narrativa, la radical quietud emerge como gesto político y estético. Teatros del Canal acoge “Bérénice”, la relectura que Romeo Castellucci realiza del texto de Jean Racine, una operación de despojamiento que convierte la tragedia clásica en un territorio de concentración extrema donde la palabra se vuelve materia y la voz, arquitectura. En el centro gravitacional de esta propuesta se sitúa Isabelle Huppert, convertida en presencia absoluta, en eje inmóvil alrededor del cual orbita todo el dispositivo escénico.
La pieza, programada del 10 al 12 de abril en la Sala Roja Concha Velasco, se articula como un monólogo que no adapta tanto como reconfigura el original raciniano. Castellucci no traduce la obra: la tensiona hasta llevarla a un umbral donde la teatralidad se repliega sobre sí misma. Bérénice deja de ser personaje para devenir fenómeno: una figura que encarna, simultáneamente, el deseo, la renuncia y la imposibilidad de reconciliar lo íntimo con lo político. La actriz, definida por el propio director como una “estrella fija”, no actúa dentro de la escena, sino que la funda.

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