RAÚL BELINCHÓN PRESENTA LA MUESTRA “ALGO PARECIDO A LA LIBERTAD’ EN VALENCIA

En Museo Reina Sofía, donde la historia no se conserva sino que se tensiona, arranca un programa expositivo que cuestiona una de las inercias más persistentes del relato artístico occidental: la ilusión de continuidad. Bajo el título La historia no se repite, pero rima —una frase tantas veces atribuida como falsamente adjudicada a Mark Twain—, el museo propone no tanto una lectura cronológica como un sistema de fricciones. La historia no como archivo, sino como reverberación. Este ciclo podrá apreciarse hasta el 22 de septiembre.

La masculinidad ha dejado de ser una categoría estable para convertirse en un campo de disputa. En ese desplazamiento —acelerado por la proliferación de discursos digitales que simplifican y radicalizan sus formas— se inscribe “Más allá de la Manosfera: Masculinidades Hoy”, la exposición que el Stedelijk Museum Amsterdam acoge del 17 de abril al 2 de agosto de 2026. Lejos de limitarse a reaccionar ante el fenómeno de la llamada “manosfera”, la muestra propone una operación más ambiciosa: desmontar sus códigos sin sustituirlos por una nueva ortodoxia.

En la historia del arte occidental, el retrato femenino ha funcionado durante siglos como una superficie de proyección: no tanto un espacio de representación de la mujer, sino un dispositivo para fijar sobre ella un ideal. Belleza, virtud, silencio, disponibilidad simbólica. El lienzo como espejo deformante de una construcción cultural. En ese territorio —densamente codificado, aparentemente agotado— irrumpe la obra de Ewa Juszkiewicz (Gdańsk, 1984), no como una ruptura estridente, sino como una operación más sutil y, por ello, más incisiva: desarmar el retrato desde dentro. Dentro de su programa de exposiciones en torno a la colección de Blanca y Borja Thyssen-Bornemisza, el museo presenta una monográfica de la artista polaca Ewa Juszkiewicz del del 26 de mayo al 6 de septiembre.

La historia del arte ha construido una jerarquía tan persistente como arbitraria, capaz de relegar a sus márgenes a figuras cuya influencia resulta, sin embargo, estructural. En ese pliegue de reconocimiento desigual se inscribe Martín Schongauer (Colmar, c. 1445 – Breisach, 1491), a quien Albrecht Dürer bautizó como “el apuesto Martín”, y cuya obra, pese a permanecer aún circunscrita en gran medida al ámbito de los especialistas, configura uno de los núcleos visuales más decisivos de la Baja Edad Media.
El Museo del Louvre presenta una exposición retrospectiva dedicada a este genial artista del 8 de abril al 20 de julio de 2026. La muestra se articula en torno a un centenar de piezas y no se limita a restituir su figura, sino que activa un dispositivo de lectura histórica que permite medir la persistencia de su lenguaje a través del tiempo y las fronteras. El recorrido reúne dibujos de rara circulación, una selección amplia de los grabados que cimentaron su proyección europea y, de forma excepcional, casi la totalidad de las pinturas que se le atribuyen: retablos y tablas de caballete entre las que sobresale la Virgen del Rosal (1473), único panel fechado del artista y eje silencioso de su producción pictórica.

Madrid suele mirarse en sus fachadas, en sus avenidas, en la repetición casi litúrgica de sus recorridos urbanos. Pero, entre grietas, aceras levantadas y descampados que nadie reclama, otra ciudad —más silenciosa, más obstinada— crece sin pedir permiso. A esa vida vegetal que resiste en los márgenes dedica su atención el festival “Salvajes, silvestres y espontáneas”, que se celebra del 10 al 25 de abril en La Casa Encendida, impulsado por la Fundación Montemadrid.

Es un diálogo y a su vez, una colisión suspendida en el tiempo. La exposición “Miguel Ángel Rodin: Cuerpos Vivos”convoca a Miguel Ángel y Auguste Rodin en un mismo plano de intensidad, donde sus obras dejan de pertenecer a sus siglos para enfrentarse cuerpo a cuerpo. Lo que emerge no es una comparación académica, sino una tensión latente: dos formas de esculpir la vida que, aún hoy, siguen negándose a quedar inmóviles.
La muestra, que reúne más de doscientas piezas y podrá visitarse entre el 15 de abril y el 20 de julio de 2026 en el museo del Louvre, no se limita a exhibir obras: articula una tensión. Lo que aquí se confronta no es solo un legado, sino una forma de entender el cuerpo como territorio donde lo visible y lo invisible se disputan el sentido. El cuerpo —piel, volumen, superficie— aparece como una membrana atravesada por algo más: una energía interna que ambos artistas intentaron hacer perceptible.