Vestidos de negro, con terciopelo y flecos, Trajal Harrell y sus seis compañeros intérpretes representan una forma de danza individual en el cruce entre diferentes géneros, en la que el voguing se mezcla con influencias que van desde la antigua Grecia hasta el teatro Noh. Icono de la moda, el arte y el colectivo LGTBI+, este año, Trajal Harrell es la figura elegida por el Festival de Otoño de París para ocupar su Portrait con una retrospectiva de 9 de sus espectáculos.
¿Cómo surgió tu vocación por el arte y en especial por las artes escénicas? Cuéntanos un poco acerca de tu historia vital.
Mi vocación por el arte siempre ha estado dentro de mí de una manera fehaciente. En mi temprana juventud me incliné por actividades deportivas como la gimnasia o el béisbol hasta que la semilla del arte escénico germinó y comencé a experimentar con el teatro durante mis años de instituto y universidad. Hacia el final de la universidad, volví a escuchar con atención mi cuerpo y reinterpreté mi manera de expresar el arte. Empecé entonces a experimentar con obras dentro del marco del performance. Más tarde, en mi estancia en el conservatorio de arte dramático, tuve clases de danza. Ese fue el punto de inflexión de toda mi carrera. Había descubierto la alegría de mi razón de ser como artista. Pronto supe que necesitaba de manera imperiosa hacer danza investigando un nuevo lenguaje escénico, así que dejé el conservatorio y me metí a coreógrafo. Me sentía totalmente ingenuo en este ámbito porque aún no sabía el verdadero significado de todo este proceso de cambio, pero tenía ya descubierta mi verdadera vocación y en aquel momento eso era lo único que me importaba.
Es indudable el espíritu transgresor que respiran tus obras con un enfoque simplificado del movimiento, destacando el característico andar de puntillas que derivó de los paseos por las pasarelas. Hay un minimalismo evocador de emociones y experiencias a punto de ebullición, ¿Cuáles son las fuentes de inspiración de Trajal Harrell? y ¿Qué referentes de la historia del arte guían tu discurso escénico?
Sí, me atraían con fuerza el minimalismo y el discurso posmodernista. Al principio también me inspiraron mucho Martha Graham e Isadora Duncan. Mis referencias en historia del arte son amplias: Sol LeWitt, Lucinda Childs, Rothko, Sarah Sze, Sigmar Polke, Jeff Koons, Velázquez. Mi trabajo está en la primera línea de muchas de mis inspiraciones que transitan desde tradición de la danza voguing, la danza postmoderna, la danza moderna temprana y la danza butoh a través de Tatsumi Hijikata y Kazuo Ohno.
Has desarrollado una carrera meteórica en muchos escenarios de todo el mundo con obras emblemáticas como: Twenty Looks o París is Burning at the Judson Church ; The Ghost of Montpellier y Meets the Samurai , ¿Qué es el éxito para Trajal Harrell?
El éxito es algo intangible y cambiante que muchas veces es malinterpretado. Para mí el éxito es la capacidad de ser amable y generoso con los demás. Y tener tiempo de calidad para pasarlo con mis seres queridos, mis amigos y mi familia.
¿Cómo es el proceso de creación de tus obras desde que nace una idea o concepto hasta llegar al escenario? y ¿ Cómo se interrelacionan los diferentes elementos escénicos?
No tengo una fórmula exacta para crear mis obras. Paso mucho tiempo con mis reflexiones antes de decidirme a utilizar un conjunto de ellas como base para una creación escénica. Investigo durante horas, recopilando ideas para el vestuario, para la música que evoque sensaciones, así como para convertir frases metafóricas en movimiento. Al final me encuentro en el estudio con los bailarines y empiezo a hacer algo que no sé cómo hacer en un principio es decir, voy construyendo todo poco a poco, en un proceso de catarsis guiado por mi propio instinto. La danza es el vehículo de creación de nuevos universos escénicos. Eso incluye, por supuesto, todos los elementos con los que puedo jugar e imaginar. Cada vez es una primera vez. Puede haber decoración, instalación, luces o tan sólo un escenario vacío. Escucho atentamente con los ojos e intento ver con claridad con los oídos.
¿Cuál papel debe jugar el arte a la hora de cambiar conciencias? y ¿Cuál es tu compromiso reivindicativo como artista escénico en relación con los derechos del movimiento LGBTQ+?
El arte es como una corriente eléctrica que atravieza nuestro sistema nervioso y supera las polémicas absurdas que nos dividen. Especialmente la danza puede a veces romper y reiventar cierto discurso moral que ya está demasiado sumido en una polarización que no nos lleva a ningún sitio. Mi intención no es hacer arte como manifiesto político. Aunque reconozco que en todas las imágenes y representaciones dentro o fuera del escenario o en el museo metafórico de nuestra existencia coexiste una realidad política. No hago obras sólo para afirmar mi identidad. Hago obras para unir a la gente a través del amor. Estoy en deuda con aquellos artistas valientes que derribaron barreras y rompieron muros para que yo pueda tener la libertad de bailar acerca de los temas que quiera con la pasión de mi más genuina inspiración. Me interesa dar espacio a los débiles y a los históricamente marginados e infrarrepresentados que sufren una serie de carencias de visibilidad, alimento y comprensión. Soy muy consciente de lo difícil que ha sido conquistar los derechos que como personas discriminadas por cuestiones de orientación sexual, raza y género hemos obtenido a lo largo de la historia. Soy un privilegiado que defiende su arte de frente, sin complejos y con honestidad. Mi compromiso como persona y como ser humano está antes que mi faceta de artista escénico.
En los próximo días 23 y 24 de febrero presentas en Conde Duque la obra KÖLN CONCERT de la mano de SCHAUSPIELHAUS ZÜRICH DANCE ENSEMBLE , ¿Cómo fue el proceso de gestación de dicha obra? y ¿Qué debe esperar el espectador ante su visionado?
Mi obra se inspira en la famosa pieza musical de Keith Jarrett y con canciones de Joni Mitchell. Era la primera vez que compartía mi forma de moverme con la forma de moverse de los bailarines con los que trabajaba. Durante mucho tiempo estuve en contra de esto, así que mantuve mi individualidad escénica muy presente a través de una una uniformidad colectiva que partía de la unidireccionalidad de mi estilo. Con “The Köln Concert” decidí intentar otra manera de abordar las coreografías. Tenía que encontrar una forma de compartir el lenguaje resaltando las individualidades de los bailarines, sin convertirlos en copias de mí mismo. Así que lo que ven es un diálogo de estilos que enriquece con una potencia incomesuarable todo el espéctaculo. Es un estilo de bailar mucho más afinado donde cada uno aporta un valor diferente que por otro lado conforma un conjunto armosioso. Intento no crear expectativas en el espectador, es más fructífero dejar que mi público sienta y viva el montaje según su propia percepción personal.
¿Qué significa para ti poder representar tu obra en España? ¿Cómo valoras el desarrollo de las artes escénicas en Europa?
Es mi debut en Madrid. Llevo mucho tiempo esperando este momento con mucha ilusión. Hace casi treinta años, antes de convertirme en coreográfo, pasé un verano en Madrid viviendo con una familia y aprendiendo español. Me lo pasé muy bien en esta ciudad que nunca duerme. Recuerdo haber visto obras de coreógrafos increíbles que me emocionaron profundamente. Es la primera vez que vuelvo y siento que mi vuelta será enriquecedora. Es muy emocionante para mí este reecuentro desde una perspectiva diferente. Me siento honrado de tener este encuentro y muy agradecido a Natalia Álvarez Simó directora de Conde Duque que ha trabajado tan duro para traer mi trabajo a España. Valoro mucho el desarrollo de las artes escénicas en Europa porque he recibido un gran apoyo de las diferentes instituciones.
¿Con qué sueña Trajal Harrell? Y ¿Cuáles son sus sueños rotos?
Sueño con estar en casa con mi madre y mis hermanas. Hace casi un año que no estoy en casa. Para mí es demasiado tiempo lejos de mi familia. Por otro lado, esperaba que nuestro proyecto: Schauspielhaus Zürich Dance Ensemble cuya dirección artística tuvo una visión vanguardista durara más en la cartelera del mítico teatro Schauspielhaus Zürich. Benjamin von Blomberg y Nicolas Stemann, los codirectores artísticos, realmente nos ofrecieron un hogar y un apoyo increíble para cumplir este sueño. Dicho proyecto fue suspendido demasiado pronto. Definitivamente fue un sueño roto para muchos de nosotros. Con el tiempo, espero que juntos soñemos nuevos sueños.
¿Cuáles son tus nuevos proyectos para el 2024?
Acabo de estrenar un nuevo proyecto de escénico llamado Tambourines en Zúrich. Está basado en la novela La letra escarlata, de Nathaniel Hawthorne. Dicha obra versa sobre una mujer de la América colonial que debe llevar una A escarlata incrustada en la ropa como señal discriminatoria de mujer adúltera. Es uno de los primeros ejemplos de slut shaming. Pronto empezará a girar por Europa.
How did your vocation for art and especially the performing arts arise? Tell us a little about your life story.
I grew up as a gymnast. And later went into the theater after a failed attempt at baseball. I continued to do theater during my high school and college years but toward the end of college, I came back to my body and stopped wanting to speak on stage. I started making more performance art type work. Later at a drama conservatory where I studied, I had dance class. It was my joy. And soon I knew I needed to make dance, so I quit the conservatory and headed off to be a choreographer. Totally naïve of what that truly meant, but I had my joy in tow and at the time that was all that mattered.
There is no doubt about the transgressive spirit of your works. Your simplified approach to movement highlights the characteristic tiptoe walking that derived from walks along the catwalks. There is a minimalism evocative of emotions and experiences at the boiling point. What are Trajal Harrell’s sources of inspiration? And what references from art history guide your stage discourse?
Yes, I was drawn to minimalism and postmodernist discourse. Early on I was also quite inspired by Martha Graham and Isadora Duncan. My art history references are wide: Sol LeWitt, Lucinda Childs, Rothko, Sarah Sze, Sigmar Polke, Jeff Koons, Velasquez. My work forefronts many of my inspirations: The voguing dance tradition, the early postmodern dance, early modern dance, butoh dance. Tatsumi Hijikata and Kazuo Ohno.
You have developed a meteoric career on many stages around the world with emblematic works such as: Twenty Looks or Paris is Burning at the Judson Church; The Ghost of Montpellier and Meets the Samurai, What is success for Trajal Harrell?
Success is something that changes. For me now success is the ability to be kind and generous with others. And to have quality time to spend with my loved ones, friends, and family.
What is the process of creating your works from the moment an idea or concept is born until it reaches the stage? And how are the different scenic elements interrelated?
I do not have a formula for creating work. I spend a lot of time with my reflections before deciding to use a set of these as the basis for a work. I spend time doing research, collecting clothes, music, and sensations as well as movement phrases. Eventually I am in the studio with the dancers and I just begin to make something I do not know how to make. I am guided by my own desire to see a dance I cannot fully imagine. I try to bring the dances I want to see into being. That includes of course all the elements that I can play with and imagine. Each time it is different. There can be décor, installation, lights or not. I listen closely with my eyes and try to see clearly with my ears.
What role should art play when it comes to changing consciousness? And what is your commitment as a performing artist in relation to the rights of the LGBTQ+ movement?
Art is one of the things that can get into the nervous system and get past the polemics that divide us. Dance especially can sometimes sideswipe language that is already too mired in polarization. Therefore, I do not make art as political manifesto. Though all images and representations on the stage or in the museum exist in a political reality. I am not making work only to affirm my identity. I am making work to bring people together. I am indebted to those voguers and the ancestors who tore down barriers and broke through walls so that I may have the freedom to dance about whatever subjects I like. I am interested in giving space to the weak and to those yes marginalized and underrepresented who are suffering from a number of lacks of visibility, nourishment, and understanding. But I am well aware that the rights we gain as people discriminated against for issues of sexuality, race, and gender, not to mention mobility, and a number of things come first before the privilege to make art. My commitment as a person and human being is my priority before that as a performing artist.
On February 23 and 24 you will present the work TRAJAL HARRELL & SCHAUSPIELHAUS ZÜRICH DANCE ENSEMBLE «KÖLN CONCERT» in Conde Duque. What was the process of creating this piece of work? And what should the spectator expect when viewing it?
I tried to make a work to this famous piece of music by Keith Jarrett and to songs by Joni Mitchell. It was the first time I shared my way of moving with the dancers with whom I worked. I was against this for a long time so I kept my solos and the group work different; but with “The Koln Concert” this time I decided to try. I had to find a way to share that would bring out the dancers’ individualities not make them copies of me. So what you see is a dialogue in style. It is our style of dancing. I try not to put expectations on the spectator. I like to let them discover the piece for themselves.
What does it mean for you to be able to represent your work in Spain? How do you value the development of the performing arts in Europe?
It is my debut in Madrid. I have been waiting for it a long time. I spent a summer in Madrid living with a family and learning Spanish. I had an amazing time in Madrid and I remember seeing amazing dance. This was before I became a choreographer but maybe it also inspired me. This is my first time returning. It was thirty something years ago. I think it will be very touching for me. I am honored to have this debut and so thankful that Natalia Álvarez Simó worked so hard to bring my work. I value the development of the performing arts in Europe very much. I have had so much support from this field in Europe and I am always delighted to meet audiences all over Europe.
What does Trajal Harrell dream about?
I dream about being home with my mother and sisters. I haven’t been home in almost a year. It’s too long for me.
What are your broken dreams?
I had hoped that The Schauspielhaus Zürich Dance Ensemble might last longer as well as the artistic direction that had the vision for the theater and for this dance company in the Schauspielhaus Zürich. Benjamin von Blomberg and Nicolas Stemann, the co-artistic directors, really offered us a home and amazing support to fulfill this dream. It was cut off too short. It was definitely a broken dream for many of us. In time, I hope together we will dream new dreams
What are your new projects for 2024?
I just premiered a new dance called Tambourines in Zurich. It’s based on the novel The Scarlet Letter by Nathaniel Hawthorne, about a woman in colonial America who must wear a scarlet A on her clothing for committing adultery. It’s an early example of slut shaming. It will soon start touring in Europe.
