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Lisandro Alonso presenta el film ‘Eureka’ e impartirá una clase magistral en Casa de América

El reconocido director y guionista argentino Lisandro Alonso viaja a España para el estreno en cines de su última película: “Eureka”: «No hay ningún director que se parezca a Lisandro Alonso. Sientes su entusiasmo y curiosidad en todo momento; trabajar con él es contagioso y reafirmante. Su historia se convierte en tu historia». Viggo Mortensen. Casa de América y Atalante coorganizan dos pases de prensa de la película y entrevistas con el director, que además impartirá un masterclass en dicha institución.
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El próximo 14 de junio llega a los cines Eureka, la última película de Lisandro Alonso, una road movie sobre los pueblos originarios en el continente americano, protagonizada por Viggo Mortensen y Chiara Mastroianni. La película se presentó en la pasada edición de Cannes Premiére y en la Sección Albar del Festival de Cine de Gijón, donde obtuvo el Premio de la Distribución a la Mejor Película. Una década después de la inolvidable Jauja, Lisandro Alonso firma con  Eureka su obra más ambiciosa: un tríptico sobre la violencia colonial que empieza como un singular wéstern en blanco y negro, continúa como un thriller policíaco en una reserva de Dakota del Sur, y se adentra hacia una odisea amazónica. Un viaje fascinante y enigmático a través del tiempo y el espacio con ecos de Herzog, Lynch y Apichatpong. El cineasta argentino vuelve a colaborar con Viggo Mortensen en el reparto y una sorprendente Chiara Mastroianni. Ambos unen fuerzas para crear una película mágica sobre la condición global de los pueblos indígenas y nuestra misma noción del progreso. Eureka cuenta la historia  Un cowboy solitario (Viggo Mortensen) se adentra en un pueblo sin ley en busca de venganza. Paralelamente, en la reserva de Pine Ridge, en Dakota del Sur, Alaina está cansada de su trabajo como policía y deja de contestar las alertas de radio una fría noche de invierno. Su sobrina Sadie pasa la noche esperándola, en vano. Con la ayuda de su abuelo, Sadie decide emprender un viaje a través del tiempo y el espacio hasta un lugar en Sudamérica, donde podrá dejar de lado viejos wésterns en blanco y negro que no la representan, para centrarse en escuchar los sueños y los relatos de otras personas, las que todavía viven en la selva. Los pájaros no hablan con los humanos, pero si pudiésemos entenderlos, tendrían muchas verdades que contarnos. Lisandro Alonso (Buenos Aires, 1975) estudió tres años en la Universidad del Cine. Después de codirigir su primer cortometraje, Dos en la Vereda (1995), trabajó como ayudante de dirección y diseñador de sonido hasta 2000. Su primer largometraje, La Libertad, que se centraba en la relación entre un leñador solitario y su entorno, se estrenó en el festival de Cannes, en la sección ‘Un Certain Regard’. Tras crear su propia productora, 4L, Alonso regresó a Cannes en 2004 con Los Muertos, estrenada en la Quincena de Cineastas. Dos años más tarde, completó su trilogía con Fantasma. En 2008, el director se inclinó más hacia la ficción con Liverpool. Cinco años después, Jauja, ambientada entre Dinamarca y la Argentina del siglo XIX y protagonizada por Viggo Mortensen, obtuvo el premio FIPRESCI en la sección ‘Un Certain Regard’ del Festival de Cannes. En 2023 regresa a Cannes para presentar Eureka, su última película, un tríptico sobre la violencia colonial con Viggo Mortensen de nuevo en el reparto y una sorprendente Chiara Mastroianni.

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“La hija pequeña”, el filme de Hafsia Herzi que irrumpe en España con siete nominaciones a los César

La hija pequeña llegará a los cines españoles el próximo 13 de marzo, distribuida por Filmin, después de un recorrido internacional que la ha situado en el centro del debate cultural contemporáneo. La historia adapta la novela homónima de Fatima Daas, publicada en España por Cabaret Voltaire. El texto original, construido desde la autoficción, traza un retrato íntimo de la autora: musulmana practicante, lesbiana y criada en la periferia de París, Daas convierte su experiencia vital en un relato de búsqueda personal, sexual y moral que rehúye los discursos simplificadores.

“Pon tu alma en la mano y anda”, un desgarrador documental sobre la fotoperiodista palestina Fatima Hassouna asesinada, durante la guerra en Gaza

Hay películas que nacen como gesto creativo y acaban convirtiéndose en testimonio irreemplazable. “Pon tu alma en la mano y anda” pertenece a esa categoría excepcional de obras que no solo se miran, sino que interpelan, que atraviesan conciencias con el puño de la denuncia contra el genocidio en Gaza . Estrenado en la sección ACID del Festival de Cannes 2025, presentado en España en el Atlàntida Mallorca Film Fest y recientemente nominado a mejor documental en los Premios César, el film se ha consolidado como uno de los relatos audiovisuales más conmovedores y necesarios del último año. “Pon tu alma en la mano y anda” podrá apreciarse en FILMIN a partir del próximo 13 de febrero.

El primer amor como revelación generacional en “Sueños en Oslo” de Dag Johan Haugerud

La nueva película de Dag Johan Haugerud pone el broche final a la llamada Trilogía de Oslo con una historia delicada y profundamente humana sobre el poder fundacional del primer amor. “Sueños en Oslo” llega a Filmin el próximo 13 de febrero, tras haberse alzado con el Oso de Oro a la mejor película y el Premio FIPRESCI en la última edición del Festival de Berlín, cuya 76ª convocatoria se inaugura precisamente el próximo 12 de febrero.

Pere Portabella, cien años como impulso activo del cine y el pensamiento crítico

El Ministerio de Cultura del Gobierno de España y el Departamento de Cultura de la Generalitat de Catalunya trabajan de manera conjunta en la conmemoración del centenario del cineasta Pere Portabella (Figueres, 1927), una figura clave del cine europeo contemporáneo y del pensamiento artístico y político del último siglo. La iniciativa nace con la voluntad de poner en valor su trayectoria y de medir el alcance de su influencia en cineastas, artistas y movimientos sociales atravesados por su obra, entendida no como un legado cerrado, sino como un impulso todavía activo.
En este sentido, la iniciativa quiere rendir un homenaje público a Pere Portabella reconociendo la vigencia permanente de su obra y subrayando cómo sus métodos siguen operando como motor de activismo artístico y político. De ahí que el conjunto de acciones se articule bajo el título de Acción Portabella, una denominación que remite tanto a la actualización constante de su pensamiento como a la necesidad de emprender un viaje colectivo que reactive el papel esencial de la actitud vanguardista. En todas las propuestas resonará, además, una dimensión poética que atraviesa de manera constante su filmografía y su manera de entender la creación.

Entrevistamos a Leonor Paqué a propósito de su documental “Hermana Leonor. 20.000 kilómetros de confesión” que desvela casos de pederastia clerical

Leonor Paqué no habla desde la abstracción ni desde la denuncia fácil. Habla desde el cuerpo que recuerda, desde la niña que aprendió demasiado pronto el significado del miedo y desde la mujer que hoy se niega a aceptar la tibieza social como coartada. Su relato no es un caso aislado ni una memoria privada: es la radiografía de un sistema de poder que protegió a los agresores, disciplinó a las víctimas y convirtió el silencio en norma. En esta entrevista, la experiencia personal de Leonor Paqué se enlaza con una lectura política y colectiva del abuso sistemático en el seno de la Iglesia, del trauma prolongado que deja la negación institucional y del alto precio que se paga al romper el pacto de silencio. Porque hablar, como callar, nunca ha sido un gesto inocente.
Hablar alto y claro tiene consecuencias, para quien habla y para quienes aceptan escuchar. Leonor lo sabe bien. Por eso decidió asumir el coste de contar su historia y la de otras víctimas de la sistemática pederastia clerical, consciente de que el trauma no se archiva y de que la exposición pública deja nuevas cicatrices. Su documental “Hermana Leonor, 20.000 kilómetros de confesión” es el resultado de esa decisión: un relato coral que obliga a mirar de frente una violencia estructural que la sociedad aún no ha querido asumir del todo.
Leonor habla despacio, pero con firmeza; sin dramatizar, pero cada palabra arrastra décadas de dolorosa memoria contenida: “Existe una tibieza tanto física, encarnada en esos religiosos, como social; mal asumida por las instituciones temerosas de asumir su responsabilidad latente”. En su voz confluyen la niña hospitalizada en un sanatorio religioso de Bilbao y la mujer que ha recorrido España dentro de un desvencijado Renault Clío recogiendo testimonios de abuso, de dolor, de una ignominia irresuelta, junto a su hermano Diego y su perrita Tinta. “Hermana Leonor, 20.000 kilómetros de confesión” no busca solo conmover: busca comprender, nombrar y desmontar las lógicas de impunidad que han encubierto los abusos sexuales infantiles que, por cierto, marcaron a generaciones enteras confiadas ingenuamente a la fe de la Iglesia Católica.

La cocina del “Sueño Americano”

Hay lugares donde el mundo se condensa. Espacios aparentemente funcionales que, al mirarlos de cerca, revelan una arquitectura moral. La cocina profesional es uno de ellos. En “La cocina”, Alonso Ruizpalacios no filma un restaurante: filma un sistema, desarrolla el concepto del consumismo, la inmediatez y la incomunicación subyacente al concepto del “Sueño Americano”. Un microcosmos donde la velocidad, la jerarquía, el deseo y la violencia estructural se mezclan como ingredientes imposibles de separar, si se quiere tener un plato excelente. La película —dramática, corrosiva, a ratos brutal y a ratos irónicamente cómica— no adapta tanto la obra teatral de Arnold Wesker, sino que la reencarna en una época donde el trabajo ya no promete redención, solo supervivencia. Lo mejor sería la desproporcionada percepción que la película tiene de su propia importancia y lo peor, demasiada ambición a la hora de crear demasiados personajes cuyas historias, quedan frenéticamente irresueltas.

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No se trata solo de una obra que cruza el Atlántico, sino de una pregunta ética puesta en escena: una relectura del mito clásico desde una herida contemporánea que sigue supurando. A partir del poema escénico de la escritora mexicana Sara Uribe, la figura de Antígona reaparece despojada de solemnidad arqueológica para encarnarse en una realidad marcada por la desaparición forzada, el duelo suspendido y la obstinación de quienes se niegan a olvidar.
Esta versión no pretende actualizar el mito, sino devolverle su filo político. Antígona vuelve a ser la figura que se enfrenta al Estado cuando este decide quién merece ser llorado y quién debe permanecer enterrado en el silencio. En esa tensión entre ley y ética, la obra encuentra su núcleo y desplaza el foco hacia las mujeres que hoy, en México y en otros territorios, sostienen la búsqueda de los ausentes como un acto de resistencia cotidiana.
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