Pieces of a woman, un Retrato del dolor.

En “The Silence”, obra de autoficción presentada ahora en una nueva versión en alemán, el dramaturgo y director Falk Richter se adentra en la zona más frágil de su biografía: la memoria familiar como campo de batalla. El punto de partida es una ausencia irreversible —la muerte de su padre antes de que pudiera producirse una conversación reparadora— que activa un dispositivo escénico basado en el enfrentamiento íntimo con su madre. No hay aquí voluntad de ajuste de cuentas tardío, sino una excavación metódica en capas de silencio, trauma y negación acumuladas durante décadas.
La producción, que tuvo una primera versión estrenada en el TNS de Estrasburgo en coproducción con el MC93 de Bobigny y la Maison de la Culture d’Amiens, fue invitada al Theatertreffen 2024, consolidando su relevancia en el circuito escénico europeo. Ahora, el montaje podrá verse del 10 al 12 de abril en el Teatro Valle-Inclán, donde el público español tendrá la oportunidad de enfrentarse a este dispositivo escénico de memoria y confrontación.

La presentación de la 22ª edición de “Ellas Crean” no fue un mero acto institucional, sino una declaración de intenciones. Celebrada en el Centro Cultural Eduardo Úrculo, la elección del espacio adelantaba ya uno de los ejes narrativos de esta edición: el protagonismo del distrito de Tetuán como territorio cultural activo y permeable, capaz de dialogar de tú a tú con algunos de los grandes museos estatales de Madrid. Del 5 al 15 de marzo de 2026, el festival decano de la cultura creada por mujeres volverá a desplegar una programación concentrada, diversa y gratuita que propone una lectura transversal de la creación contemporánea femenina.

“Teatro hecho por los muertos para sostener a los vivos”. La frase no funciona aquí como un lema poético, sino como una declaración de intenciones. Con ella podría resumirse el pulso íntimo y político de “La última noche con mi hermano”, el nuevo montaje escrito y dirigido por Alfredo Sanzol, una coproducción del Centro Dramático Nacional y el Teatre Nacional de Catalunya que se presenta en Madrid hasta el 5 de abril.

La aclamada actriz mexicana Marina de Tavira ha protagonizado recientemente en Contemporánea Condeduque, Madrid, la obra “Antígona González”. Con motivo de este estreno, la intérprete reflexiona sobre el mito como herramienta política, el teatro como responsabilidad ética y la urgencia de nombrar a los desaparecidos desde la escena contemporánea. Un montaje que llega envuelto en una densidad historiográfica y simbólica que desborda lo estrictamente teatral.
No se trata solo de una obra que cruza el Atlántico, sino de una pregunta ética puesta en escena: una relectura del mito clásico desde una herida contemporánea que sigue supurando. A partir del poema escénico de la escritora mexicana Sara Uribe, la figura de Antígona reaparece despojada de solemnidad arqueológica para encarnarse en una realidad marcada por la desaparición forzada, el duelo suspendido y la obstinación de quienes se niegan a olvidar.
Esta versión no pretende actualizar el mito, sino devolverle su filo político. Antígona vuelve a ser la figura que se enfrenta al Estado cuando este decide quién merece ser llorado y quién debe permanecer enterrado en el silencio. En esa tensión entre ley y ética, la obra encuentra su núcleo y desplaza el foco hacia las mujeres que hoy, en México y en otros territorios, sostienen la búsqueda de los ausentes como un acto de resistencia cotidiana.
La puesta en escena articula un lenguaje sobrio y profundamente simbólico, donde el bordado —acción colectiva ligada históricamente al cuidado— se transforma en gesto escénico y en archivo vivo: coser nombres, insistir en el trazo, bordar contra la desaparición.
En esta entrevista, la actriz y creadora reflexiona sobre su vínculo vital con Antígona, el teatro como espacio de responsabilidad y la necesidad de crear obras que no tranquilicen, sino que incomoden. Un diálogo que no habla solo de teatro, sino de por qué seguir haciendo arte cuando el mundo duele.

Tras tres décadas de trayectoria artística, la compañía Alicia Soto-Hojarasca presenta “Paisajes humanos”, una pieza de danza-teatro concebida como cierre y síntesis de un recorrido prolongado por la creación escénica contemporánea. La obra no funciona como un resumen retrospectivo, sino como un punto de llegada: una destilación de treinta años de investigación coreográfica en los que Alicia Soto ha desarrollado más de treinta espectáculos, articulados de forma orgánica en ciclos temáticos. Cada uno de ellos ha explorado una pregunta distinta; en esta ocasión, el eje es la contemplación.

“Seré” es una pieza de teatro documental que no se limita a representar el pasado: lo invoca, lo hace hablar y lo obliga a ocupar un cuerpo presente. En el marco de Canal Hispanidad, este montaje propone una experiencia escénica tan austera en sus medios como devastadora en su alcance ético y emocional; y podrá apreciarse del 12 al 15 de febrero, la Sala Negra de Teatros del Canal de Madrid.