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Prompt Corner, un espacio de encuentro entre la poesía, el cabaret, el sonido, el teatro queer o la spoken word performance.

En la jerga teatral, ‘prompt corner’ o ‘esquina de avisos’ es el lugar desde el que se dirige y se mantiene el desarrollo de la escena, desde donde se controla la actuación y se recuerdan frases en caso de olvido. Esta propuesta pone en movimiento el lenguaje, reuniendo propuestas que vinculan la poesía con el cabaret, el sonido, el teatro queer o la spoken word performance. El 11 de febrero en La Casa Encendida.
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Prompt Corner presenta el trabajo de Geo Wyeth (con Muck Studies Dept.), que va a adaptar el proyecto que hace en ríos, fuentes y otros lugares con agua, al Patio de La Casa Encendida, Aurélien Potier y okcandice. Comparten un interés por las fuentes de lenguaje y los patrones de comportamiento que se mantienen escondidos, por aquello que se olvida y termina acumulando polvo en las esquinas y, sin embargo, es capaz de vertebrar y dominar comportamientos y emociones.

Las tres piezas que se presentan durante la tarde van construyendo un diálogo constante con el entorno (material, simbólico, histórico, económico, libidinal). Y lo hacen, inscribiéndose también en un linaje de experimentación poética que aborda ideas en torno a la pertenencia, la comunidad, la visibilidad, el amor o el duelo.

Comisariado por: Juf (Bea Ortega Botas y Leto Ybarra).

La actividad está comisariada y protagonizada por comisarias y artistas jóvenes. La creación joven es la temática en torno a la cual gira la programación del mes de febrero, con motivo del 20 aniversario de La Casa Encendida.

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Programa:

Visitation, w/ N.O. Stars, por el Departamento de Muck Studies Dept.

En Visitation, con N.O. Stars, un agente de investigación municipal plagado de ansiedades retira capas del presente y del pasado, hablando desde un tiempo que está más allá de toda medida, desde el Fondo del Agua, que está siempre e inevitablemente en el aire. Situándose en una constelación itinerante de sucesos polvorientos, Muck Studies Dept. narra un momento de descubrimiento desde un contenedor de memoria vibrante en el lugar del Big Bang, proponiendo una reimaginación del valor, una que él ha sabido todo el tiempo pero que no había sentido hasta ahora. Una narración en primera persona de una fuente poco fiable.

Geo Wyeth es un artista y educador originario de Nueva York que trabaja con música, performance, poesía y sonido. Su disco más reciente ATM FM (2020), se publicó a través de Muck Studies Dept., un marco narrativo y agente urbano imaginario que sondea el fondo de las zonas de aguas bajas, “buscando estrellas de lo que apesta”.

Muck Studies Dept. fusiona el funk heredado del atlántico negro y la poética folk con el periodismo de investigación; conecta el barro, el agua, el culo, las rocas, las monedas, las llaves, la industria extractiva y la expresión sensual de pertenencia a esa inundación. Wyeth ha presentado su trabajo en el MoMA PS1, The New Museum, Stedelijk Museum, The Studio Museum de Harlem, Dutch National Opera, L’Arsenic o Joe’s Pub, entre otros. Fue residente en la Rijksakademie en 2015-2016. Entre sus colaboradores más recientes se encuentran AK Burns, Every Ocean Hughes, Colin Self y Tourmaline. Vive y trabaja en Rotterdam, Países Bajos, junto al río Maas.

Loose Compass, de Aurélien Potier (Aurilian)

Al intentar unir fuerzas contradictorias, la obra de Aurélien es fruto de paradojas entrelazadas, donde la fragilidad da lugar a un lenguaje impregnado de afectos. Su obra crea entornos perceptivos atravesados por la desorientación y de los que emergen formas escritas, interpretadas, dibujadas y esculpidas.

“Te diré te quiero tantas veces que se convertirá en tu nombre. Un ojo loco, un blanco inestable, y todo lo que puedes encontrar es una grieta que hay que tocar. En los miembros siempre inscritos en la memoria, donde simultáneamente estallan relámpagos y truenos, donde cualquier silencio es una disidencia – sólo la llama no tiene sombra”.

La performance incluye sonidos compuestos por Hugo Mir-Valette.

Aurélien Potier (Aurilian) vive y trabaja en Marsella. Actualmente es residente en el City Studios Program de Marsella. Su trabajo se ha presentado en Triangle – Astérides (Marsella), Sissi Club (Marsella), CAPC (Burdeos), CCA (Glasgow), Montez Press Radio (Nueva York), Centre International de Poésie (Marsella), Haus Wien (Viena), galerie Air de Paris (Romainville) o Galería Sultana (París).

Offering V4, de okcandice

Esta nueva performance de okcandice se enmarca en su serie de investigación y performance Offering, que explora el duelo colectivo a través del sonido, la actuación en directo y los archivos orales. En esta nueva iteración, okcandice aborda la relación entre la misa católica y la aceptación/incorporación de la muerte y el duelo a través del ritual. Basándose en su experiencia de asistir a una escuela católica y en su interés por el monseñor o sacerdote como orador, okcandice contextualizará la pieza en relación con las especificidades del catolicismo en el contexto español.

okcandice escribe, es artista/comisaria, música y vive entre Birmingham y Berlín. Ha cofundado el colectivo poet & prophetess y el ciclo de cine queer all fruits ripe. Actualmente mantienen el proyecto digital okcandice archive, presenta la emisión experimental Bedtime Stories en Cashmere Radio, y el proyecto de audio/investigación Must Be The Music en Refuge Worldwide. Entre sus proyectos curatoriales figuran Blood & Fire: Our Journey Through Vanley Burke’s History, Soho House Birmingham (2022), Portals, Eastside Projects, Birmingham (2021) y okcandice archive (2012-) junto con encargos creativos para Birmingham Museums Trust, British Council Alemania, BOZAR Bruselas, Haus der Kulturen der Welt, Film and Video Umbrella, Hebbel Am Ufer Theatre, Kunstverein Hamburg, Literarisches Colloquium, y SAVVY Contemporary.

 

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No te lo pierdas en

https://www.lacasaencendida.es/

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Urbanbeat Julio 2024
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‘Medea’ irrumpe en Teatros del Canal con Declan Donnellan y una experiencia escénica que sitúa al público dentro del conflicto

La tragedia clásica vuelve a tensionar el presente en Teatros del Canal. La Sala Verde del recinto madrileño acogerá del 30 de abril al 3 de mayo una nueva versión de “Medea”, de Eurípides, dirigida por Declan Donnellan. El montaje, producido por Cheek by Jowl junto al Ivan Vazov National Theatre, supone su estreno absoluto en España y se representará en búlgaro con sobretítulos en castellano.

«Una noche sin luna» reactiva la memoria de Federico García Lorca desde el conflicto contemporáneo

En el mapa escénico contemporáneo, donde la memoria cultural se somete a revisiones constantes, «Una noche sin luna» emerge como un dispositivo teatral que no se limita a evocar el pasado, sino que lo activa desde una sensibilidad plenamente contemporánea. La pieza propone un acercamiento a la figura de Federico García Lorca desde un prisma que desborda lo biográfico para instalarse en un territorio más complejo: el de la intersección entre su legado y las tensiones del presente. No se trata, por tanto, de una reconstrucción arqueológica, sino de un ejercicio de relectura que convierte la obra del poeta en un espejo desde el que observar nuestras propias fracturas.
El montaje, que podrá verse entre el 30 de abril y el 31 de mayo en la Sala Principal del Teatro Español, articula su dramaturgia a partir de materiales documentales —entrevistas, conferencias y charlas del propio Lorca— entrelazados con fragmentos de su producción literaria. Este tejido híbrido permite que sea el propio autor quien, en primera persona, reconstruya su universo vital. La escritura de Juan Diego Botto opta por una voz que combina ironía, emoción y lucidez, evitando la solemnidad para situar al espectador en un diálogo directo con el pensamiento lorquiano.

«Humo» de Rafaela Carrasco convierte el legado obrero femenino en tensión escénica

El flamenco no recuerda: reaparece. Y en ese regreso —que no es arqueología, sino fricción con el presente— es donde «Humo» la nueva pieza de Rafaela Carrasco, encuentra su lugar. El Centro Danza Matadero acoge su estreno absoluto hasta el 19 de abril, dentro de una programación que convierte el mes en un campo de intensidad coreográfica y que culminará el 29 con el Día Internacional de la Danza. Pero lo que aquí se pone en juego no es una efeméride: es una memoria que se niega a quedarse quieta.

«Utopía en llamas» visibiliza la trata de mujeres y niñas, apuntando a los hombres que la sostienen

En un presente que ha aprendido a convivir con la violencia mientras la desplaza fuera de campo,«Utopía en llamas» irrumpe como un dispositivo escénico que obliga a mirar allí donde la mirada suele retirarse. Dirigida por Concha Delgado y Sandra Ferrús, con dramaturgia de Alda Lozano, la pieza se presenta en el Centro Dramático Nacional como una cartografía fragmentada —un collage— de la tragedia contemporánea de las mujeres atrapadas en redes de explotación sexual. El montaje puede verse hasta al 26 de abril en el Teatro María Guerrero, convertido aquí en un espacio de confrontación más que de representación.

El waacking se redefine en Madrid con STUCK, la nueva pieza de Mounia Nassangar

La programación de Teatros del Canal incorpora una de esas piezas que no se limitan a ocupar un escenario, sino que lo tensionan. STUCK, primera creación coreográfica de la artista francesa Mounia Nassangar, llega a la Sala Negra del 15 al 18 de abril como un dispositivo escénico que desplaza el centro de gravedad de la palabra al cuerpo, allí donde el lenguaje verbal ya no alcanza.

“Ese ruido es un animal” propone una historia generacional atravesada por la música, la pandemia y el encierro

El teatro, cuando decide interrogar su propia función, deja de ser un espacio de representación para convertirse en un dispositivo de intensidad que trasciende el tiempo y el espacio porque se intuye su propia significancia cultural. Con Ese ruido es un animal, María Velasco escribe y dirige una nueva producción de Cuarta Pared que, tras aplazar su estreno inicial, podrá verse finalmente del 7 al 23 de mayo. Lejos de limitarse a una propuesta escénica convencional, la pieza articula una hipótesis que atraviesa todo el montaje: que la vida, en su forma más radical, necesita una banda sonora capaz de intensificar la experiencia, de activar el cuerpo y de devolverle una conciencia que el entorno digital tiende a diluir.

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